Lo sé, no es exactamente una banda sonora, sinó una canción popular americana, pero es la mejor manera de despedir el año. LCM echa el telón del 2008 y les desea una feliz entrada de 2009.
¡Hasta el año que viene!
¡Hasta el año que viene!
miércoles 31 de diciembre de 2008
Gomorra: Tostón-denuncia con sobredosis de obviedad
Gran premio en el Festival de Cannes. Hugo de plata al mejor guión en el Festival Internacional de Cine de Chicago. Mejor film, actor, director, guión y fotografía en los Premios de Cine Europeos. 8 premios y 4 nominaciones, incluyendo el Globo de Oro al mejor film extranjero, acumula Gomorra, el film de Matteo Garrone basado en el libro de Roberto Saviano.
Gran recorrido lleva este film, así como gran presentación tiene con semejante trayectoria. Y el caso es que no entiendo el por qué de tanto revuelo con Gomorra, film sin pegada y que no narra nada reseñable. Cierto es que el autor del libro vive amenazado por la mafia, como muchos otros, pero poco vemos en Gomorra que pueda herir a la camorra. En todo caso hiere al espectador, que paga su entrada para aburrirse soberanamente.
Gomorra narra coralmente la vida de diferentes estratos de la camorra italiana, desde el encargado de pagar a las familias de los encarcelados, a los jóvenes que creen poder dominar la zona. Dicho retrato de la organización nos muestra a un empresario que trabaja deshaciéndose de residuos industriales, a un joven encargado de hacer recados que comienza a trabajar para la camorra, y a un diseñador explotado por su patrón.
Todos ellos conforman una radiografía de un mundo donde sus vidas valen menos que su carga. Todo sueños, rotos o por llegar, la esperanza de una vida mejor o simplemente de sobrevivir, la violencia y la muerte impregnando el alma, y finalmente un camino que quisiéramos no haber tomado.
Y la sinopsis pinta de maravilla, si no fuera porque el cómo lo vemos narrado en pantalla carece de garra y dirección. Matteo Garrone parece apostar por un aspecto documental, cámara en mano y total ausencia de banda sonora. Y cuando nos acostumbramos a esa apuesta, a esa cruda textura, se casca un plano secuencia sin sentido alguno, o planes generales totalmente prescindibles.
Y es que ese parece el mayor error de Garrone, creyendo que el material del libro se sobra para ser interesante, sin entender la enorme diferencia entre literatura y cine. El film carece de propósito desde el principio, con un arranque fallido emulando a Scorsese, y con una serie de historias que ni implican al espectador ni parece que pretendan explicar nada. Todo ello a lo largo de sus casi 140 minutos de metraje.
Me parece valiente la apuesta de Garrone, pero se ha equivocado de fórmula. Incluso un documental tiene un rumbo, una estructura, un tempo, y Gomorra, a ratos más cerca de "Callejeros", carece de muchos de los valores que apreciamos en el cine. Y es que, perdónenme morgueros, no me aporta nada ver a unos aspirantes a Tony Montana disparando al mar en calzoncillos, ni el elenco de tarados que nos presenta donde sólo en un par de personajes vemos un mínimo de inteligencia.
A todo ellos sumamos actores que sacan adelante su papel como pueden, logrando transmitir en ocasiones la tensión que viven, y en otras resultando exageradas sus reacciones. Poco se puede pedir a un guión que te ciñe a sacar adelante una escena donde hablas desde un maletero sacando la cabeza por una abertura. La adaptación de la obra de Saviano corre a cargo de un grupo de seis guionistas, incluyendo a Garrone, hecho que no parece haber ayudado mucho a dar consistencia a la obra. Y la faena la remata la banda sonora, que se reduce a la música de ambiente, estridente en todas las ocasiones en que se presenta.
En definitiva, un film prescindible, un intento de denuncia que no despierta conciencias, interés ni emoción. Un producto que se antoja desgarrador y acaba desgarrado por grandes deficiencias estructurales. Un interesante fondo carente de forma que acaba por aburrir.
Lo mejor: La escena de la muerte de María.
Lo peor: La mayoría de personajes resultan tontos hasta la médula.
El dato: El film se cierra con una serie de datos, que más allá de su veracidad, ni sorprenden ni abruman.
Gran recorrido lleva este film, así como gran presentación tiene con semejante trayectoria. Y el caso es que no entiendo el por qué de tanto revuelo con Gomorra, film sin pegada y que no narra nada reseñable. Cierto es que el autor del libro vive amenazado por la mafia, como muchos otros, pero poco vemos en Gomorra que pueda herir a la camorra. En todo caso hiere al espectador, que paga su entrada para aburrirse soberanamente.
Gomorra narra coralmente la vida de diferentes estratos de la camorra italiana, desde el encargado de pagar a las familias de los encarcelados, a los jóvenes que creen poder dominar la zona. Dicho retrato de la organización nos muestra a un empresario que trabaja deshaciéndose de residuos industriales, a un joven encargado de hacer recados que comienza a trabajar para la camorra, y a un diseñador explotado por su patrón.Todos ellos conforman una radiografía de un mundo donde sus vidas valen menos que su carga. Todo sueños, rotos o por llegar, la esperanza de una vida mejor o simplemente de sobrevivir, la violencia y la muerte impregnando el alma, y finalmente un camino que quisiéramos no haber tomado.
Y la sinopsis pinta de maravilla, si no fuera porque el cómo lo vemos narrado en pantalla carece de garra y dirección. Matteo Garrone parece apostar por un aspecto documental, cámara en mano y total ausencia de banda sonora. Y cuando nos acostumbramos a esa apuesta, a esa cruda textura, se casca un plano secuencia sin sentido alguno, o planes generales totalmente prescindibles.
Y es que ese parece el mayor error de Garrone, creyendo que el material del libro se sobra para ser interesante, sin entender la enorme diferencia entre literatura y cine. El film carece de propósito desde el principio, con un arranque fallido emulando a Scorsese, y con una serie de historias que ni implican al espectador ni parece que pretendan explicar nada. Todo ello a lo largo de sus casi 140 minutos de metraje.
Me parece valiente la apuesta de Garrone, pero se ha equivocado de fórmula. Incluso un documental tiene un rumbo, una estructura, un tempo, y Gomorra, a ratos más cerca de "Callejeros", carece de muchos de los valores que apreciamos en el cine. Y es que, perdónenme morgueros, no me aporta nada ver a unos aspirantes a Tony Montana disparando al mar en calzoncillos, ni el elenco de tarados que nos presenta donde sólo en un par de personajes vemos un mínimo de inteligencia.
A todo ellos sumamos actores que sacan adelante su papel como pueden, logrando transmitir en ocasiones la tensión que viven, y en otras resultando exageradas sus reacciones. Poco se puede pedir a un guión que te ciñe a sacar adelante una escena donde hablas desde un maletero sacando la cabeza por una abertura. La adaptación de la obra de Saviano corre a cargo de un grupo de seis guionistas, incluyendo a Garrone, hecho que no parece haber ayudado mucho a dar consistencia a la obra. Y la faena la remata la banda sonora, que se reduce a la música de ambiente, estridente en todas las ocasiones en que se presenta.En definitiva, un film prescindible, un intento de denuncia que no despierta conciencias, interés ni emoción. Un producto que se antoja desgarrador y acaba desgarrado por grandes deficiencias estructurales. Un interesante fondo carente de forma que acaba por aburrir.
Lo mejor: La escena de la muerte de María.
Lo peor: La mayoría de personajes resultan tontos hasta la médula.
El dato: El film se cierra con una serie de datos, que más allá de su veracidad, ni sorprenden ni abruman.
martes 30 de diciembre de 2008
La frase de la semana: Gran Torino
Walt: You see that tree right there? You just go over there and count the birds.
Thao: You want me to count the birds?
Walt: Yeah, you can count? All you slopes are supposed to be good at math, right?
Thao: Yeah, I can count.
Walt: Good.
Walt: ¿Ves ese arbol de ahí? Ve para allá y cuenta los pájaros.
Thao: ¿Quieres que cuente los pájaros?
Walt: Sabes contar,¿no? Se supone que vosotros, los amarillos, sois buenos con las matemáticas.
Thao: Sí, puedo contarlos.
Walt: Bien.
Thao: You want me to count the birds?
Walt: Yeah, you can count? All you slopes are supposed to be good at math, right?
Thao: Yeah, I can count.
Walt: Good.
Walt: ¿Ves ese arbol de ahí? Ve para allá y cuenta los pájaros.Thao: ¿Quieres que cuente los pájaros?
Walt: Sabes contar,¿no? Se supone que vosotros, los amarillos, sois buenos con las matemáticas.
Thao: Sí, puedo contarlos.
Walt: Bien.
lunes 29 de diciembre de 2008
La imagen de la semana
Pues aquí tenemos a Sayid en pleno concierto navideño. Se ve que al chico no lo han ido mal las cosas desde que abandonó la isla, así como luce cierto luto y melenas por su esposa muerta. Su grupo se llama Camp Freddy, aunque claro está, su estatus de estrella como Oceanic Six no le permite habitualmente formar parte de la banda. No sé a vosotros, pero ni dura 3 minutos la canción y se me ha hecho pesada...
Gran Torino: Eastwood se marcha dejando lección y testamento
¡Qué grande es Clint Eastwood! Eso he pensado en cuánto he concluido el visionado de Gran Torino, habiendo visto recientemente su otro film, El Intercambio. Hace poco anunció que Gran Torino sería su última interpretación, y no ha dudado en dirigir él mismo el film para dejarnos un personaje inolvidable con el que cerrar su etapa como actor. Y desde luego, como no podía ser de otra manera, Clint Eastwood se despide a lo grande, con un film soberbio y un papel inolvidable.
Si bien El Intercambio trataba una historia más ambiciosa, Gran Torino nos habla de cosas más sencillas, para dar un giro hacia el drama en su segunda mitad. Eso es algo que algunos han criticado argumentando que, a excepción de inicio y final, en el resto de metraje no pasa nada. Y esos momentos de "no pasa nada" son los que un grande como Eastwood sabe aprovechar, donde sucede lo que en el 99% de la vida del 99% de personas, o comúnmente conocido como "vivir". Eastwood es enorme, y difícil reprimirse las ganas de levantarse y aplaudir o hacer una reverencia al acabar Gran Torino, sabiendo que es la última vez que le veremos en pantalla.
Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un veterano de la guerra de Corea que acaba de perder a su mujer. En un barrio multiétnico y con unos hijos con los que sólo comparte distancia y discusiones, se quedará con su soledad, su odio y su perra Daisy. Con el joven párroco local (Christopher Carley) insistiendo en que se confiese como último deseo de su mujer, y el hijo de los vecinos, de origen oriental, intentado robarle su gran torino del 72 como rito iniciatorio de una banda, Walt se verá inmerso en un proceso de cambio que alivie sus demonios.
La banda que quiere reclutar a su vecino Thao (Bee Bang) irrumpirá en la casa contigua y Walt intervendrá para salvaguardar la integridad de su césped, cosa que sus vecinos entenderán como ayuda y estrecharán lazos con él. La deuda de Thao con él obligará al chico a trabajar para Walt mientras Sue (Ahney Her), la hermana de Thao, saltará la barrera hostil de Walt para estrechar lazos y suavizar a un hombre que tiene la oportunidad de acabar sus días en paz con el mundo.
Si ya vimos que Eastwood era capaz de hacer un western tremendamente humano y un film de boxeo tremendamente humano, ahora nos trae una versión humanizada de Harry el sucio. Un héroe de guerra devorado por los demonios, que no entiende cómo ha cambiado su país, no soporta a sus hijos y se queda solo en la vida. La vieja escuela pierde el tren del tiempo e Eastwood, sabio, planta un convoy especial para Walter Kowalski.
Cada personaje tiene su propio infierno, y ninguno querrá ayuda, pero en cadena irán sucediéndose los hechos que acerquen mundos tan distintos a una salvación común. Y es que lo de menos es lo que pasa, primando el cómo pasa, con un Eastwood que carga con todo el peso del film y saca adelante las escenas a base de talento y autenticidad. Impagables los diálogos entre su personaje y el de Thao, llenos de tacos e ironía.
El reparto cumple con su papel, aunque en ciertos momentos les falta algo de credibilidad que contrasta mucho con la interpretación de Eastwood. Interpretación y film que han sido ignorados en los Globos de Oro, en los que Gran Torino sólo participa con la canción de mismo título a cargo de Jamie Cullum. Una pena que un film que rebosa autenticidad sea ignorado por tan prestigiosos premios.
La labor de director la resuelva a la perfección Eastwood, con sobriedad y calma, dejándonos saborear cada escena, cada gesto, cada brochazo de personalidad de Walt. Vemos sus privadas reacciones de viejo huraño, sus comentarios para consigo mismo e incluso las dificultades que su cuerpo tiene para obedecerle, mostrando que ese cuerpo ya no puede albergar ese carácter. A su manera, Eastwood ha querido rendir homenaje a un cine y un tiempo pasado, con un personaje más cerca del final que de la gloria y con una despedida crepuscular a modo de western.
Mucho es el mérito Nick Schenk y Dave Johannson, guionistas de la cinta, que nos presentan un personaje difícil, desagradable y racista, revestido de una humanidad desbordante con el que se hace imposible no empatizar. Ellos crean un personaje a medida para Eastwood, sabiéndolo icono y aprovechando sus recursos para dotar de profundidad y sentido la gran cantidad de escenas basadas en diálogos y no acción. Un trabajo excelente que se refleja en escenas tan sencillas como la llamada de Walt a su hijo tan sólo para conversar.
En definitiva, Clint Eastwood nos regala una obra maestra, dos horas de no sólo auténtico cine, sinó de auténtica sabiduría. Un film que huye de la épica de las grandes producciones para adentrarse en el pequeño mundo de un jubilado, un canto a la vida, a las historias sencillas narradas con el aroma de la experiencia. Un film inolvidable.
Lo mejor: La última escena con Clint Eastwood en pantalla.
Lo peor: El drástico final tarda poco en perfilarse y mucho en cocerse.
El dato: Sea casual o no, el personaje de Sue insiste en llamar a Walter como uno de los personajes cinematográficos del año, Wally.
Si bien El Intercambio trataba una historia más ambiciosa, Gran Torino nos habla de cosas más sencillas, para dar un giro hacia el drama en su segunda mitad. Eso es algo que algunos han criticado argumentando que, a excepción de inicio y final, en el resto de metraje no pasa nada. Y esos momentos de "no pasa nada" son los que un grande como Eastwood sabe aprovechar, donde sucede lo que en el 99% de la vida del 99% de personas, o comúnmente conocido como "vivir". Eastwood es enorme, y difícil reprimirse las ganas de levantarse y aplaudir o hacer una reverencia al acabar Gran Torino, sabiendo que es la última vez que le veremos en pantalla.
Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un veterano de la guerra de Corea que acaba de perder a su mujer. En un barrio multiétnico y con unos hijos con los que sólo comparte distancia y discusiones, se quedará con su soledad, su odio y su perra Daisy. Con el joven párroco local (Christopher Carley) insistiendo en que se confiese como último deseo de su mujer, y el hijo de los vecinos, de origen oriental, intentado robarle su gran torino del 72 como rito iniciatorio de una banda, Walt se verá inmerso en un proceso de cambio que alivie sus demonios.La banda que quiere reclutar a su vecino Thao (Bee Bang) irrumpirá en la casa contigua y Walt intervendrá para salvaguardar la integridad de su césped, cosa que sus vecinos entenderán como ayuda y estrecharán lazos con él. La deuda de Thao con él obligará al chico a trabajar para Walt mientras Sue (Ahney Her), la hermana de Thao, saltará la barrera hostil de Walt para estrechar lazos y suavizar a un hombre que tiene la oportunidad de acabar sus días en paz con el mundo.
Si ya vimos que Eastwood era capaz de hacer un western tremendamente humano y un film de boxeo tremendamente humano, ahora nos trae una versión humanizada de Harry el sucio. Un héroe de guerra devorado por los demonios, que no entiende cómo ha cambiado su país, no soporta a sus hijos y se queda solo en la vida. La vieja escuela pierde el tren del tiempo e Eastwood, sabio, planta un convoy especial para Walter Kowalski.
Cada personaje tiene su propio infierno, y ninguno querrá ayuda, pero en cadena irán sucediéndose los hechos que acerquen mundos tan distintos a una salvación común. Y es que lo de menos es lo que pasa, primando el cómo pasa, con un Eastwood que carga con todo el peso del film y saca adelante las escenas a base de talento y autenticidad. Impagables los diálogos entre su personaje y el de Thao, llenos de tacos e ironía.
El reparto cumple con su papel, aunque en ciertos momentos les falta algo de credibilidad que contrasta mucho con la interpretación de Eastwood. Interpretación y film que han sido ignorados en los Globos de Oro, en los que Gran Torino sólo participa con la canción de mismo título a cargo de Jamie Cullum. Una pena que un film que rebosa autenticidad sea ignorado por tan prestigiosos premios.
La labor de director la resuelva a la perfección Eastwood, con sobriedad y calma, dejándonos saborear cada escena, cada gesto, cada brochazo de personalidad de Walt. Vemos sus privadas reacciones de viejo huraño, sus comentarios para consigo mismo e incluso las dificultades que su cuerpo tiene para obedecerle, mostrando que ese cuerpo ya no puede albergar ese carácter. A su manera, Eastwood ha querido rendir homenaje a un cine y un tiempo pasado, con un personaje más cerca del final que de la gloria y con una despedida crepuscular a modo de western. Mucho es el mérito Nick Schenk y Dave Johannson, guionistas de la cinta, que nos presentan un personaje difícil, desagradable y racista, revestido de una humanidad desbordante con el que se hace imposible no empatizar. Ellos crean un personaje a medida para Eastwood, sabiéndolo icono y aprovechando sus recursos para dotar de profundidad y sentido la gran cantidad de escenas basadas en diálogos y no acción. Un trabajo excelente que se refleja en escenas tan sencillas como la llamada de Walt a su hijo tan sólo para conversar.
En definitiva, Clint Eastwood nos regala una obra maestra, dos horas de no sólo auténtico cine, sinó de auténtica sabiduría. Un film que huye de la épica de las grandes producciones para adentrarse en el pequeño mundo de un jubilado, un canto a la vida, a las historias sencillas narradas con el aroma de la experiencia. Un film inolvidable.
Lo mejor: La última escena con Clint Eastwood en pantalla.
Lo peor: El drástico final tarda poco en perfilarse y mucho en cocerse.
El dato: Sea casual o no, el personaje de Sue insiste en llamar a Walter como uno de los personajes cinematográficos del año, Wally.
domingo 28 de diciembre de 2008
Grandes momentos del cine: Están vivos
La mejor escena de lucha de la historia. Roddy Piper y Keith David mano a mano a las órdenes de Carpenter en una pelea por unas gafas. Memorable.
sábado 27 de diciembre de 2008
La recomendación del lector
Parece que la elección, siendo las fechas que son, es clara. Me dispongo a enmendar mi error y cerrar 2008 viendo mi primer Capra. Sí morgueros, el film elegido para cerrar y abrir año es ¡Qué bello es vivir!, film de Frank Capra con 62 años a sus espaldas.
Así Mr.Lombreeze se lleva la recomendación ésta semana, pero ya sabéis que guardo todas las recomendaciones para ver fuera de esta sección si el momento (o el ánimo) lo requiere.
¡Gracias a todos por vuestras recomendaciones!
Así Mr.Lombreeze se lleva la recomendación ésta semana, pero ya sabéis que guardo todas las recomendaciones para ver fuera de esta sección si el momento (o el ánimo) lo requiere.¡Gracias a todos por vuestras recomendaciones!
Dead Set: España merece un "Cuéntame" con zombies
De tierras anglosajonas, más concretamente del canal E4, nos llega una miniserie de 5 episodios llamada Dead Set. Desde luego nuestra producción televisiva está a años luz de otras, y Dead Set es algo impensable que pueda ver la luz en nuestro país.
Zombies ya es una temática de poco calado entre los seguidores de Cuéntame o Escenas de matrimonio, pero por si fuera poco, Dead Set se adentra en el gore en no pocas ocasiones, aprovechando la ocasión para dar unas cuantas collejas al entorno de ciertos programas televisivos.
Año 2009. El Big Brother británico se prepara para noche de expulsiones y el equipo de producción trabaja a marchas forzadas. A las puertas de la casa se reúnen miles de fans esperando ver a la estrella expulsada, mientras que en otro punto de la ciudad unos altercados amenazan con informativos la franja horaria del programa. En medio del huracán se encuentra Kelly (Jaime Winstone), en plena crisis con su pareja y como chica de los recados en el programa.
Pronto se precipitan los hechos, y la llegada de un zombie a los aledaños de la casa infecta a los espectadores provocando la locura. Poco a poco se habrá extendido el virus por toda el lugar y el único lugar seguro será dentro de la casa, donde los participantes viven ignorantes a la realidad. Los pocos supervivientes acabarán por reunirse con ellos para intentar encontrar una solución.
Sorprenden varios hechos en esta producción. Para empezar, como producto televisivo tiene un formato equiparable a muchos de los films en cartelera. Por otro lado, la crudeza de muchas escenas lo hace indicado para una pequeña franja de público, de hecho, se nos advierte al arranque de cada capítulo, además de recomendarnos verlo a oscuras. No es normal que un producto televisivo renuncie a cuota de pantalla tan fácilmente.
Pese a todo, no deja de ser lo que es, con las carencias que conlleva. Los actores provienen mayormente de series y sus interpretaciones funcionan mejor lejos de la emotividad. Dichos personajes son bastante obvios, aunque la gran baza es el uso que se les da a personajes que participan o producen un Big Brother. Así podemos ver a un despiadado productor que ante la crisis no duda en despedazar a un participante acabado y ofrecerlo como carnaza a la audiencia, literalmente. El resto de protagonistas, divos, más preocupados por su imagen fuera de la casa que por el fin del mundo.
Y es ahí donde funciona Dead Set, cuando se usa la temática para hacer una crítica a dichos formatos televisivos, fenómenos fan y todo clasismo o divismo de pequeña pantalla. No es un producto que nos vaya a dar qué pensar durante semanas, pero sí entretiene, como en el gran momento Mika en que zombies y fans actúan de igual manera.
El resto no dista demasiado de lo visto sobre zombies, siendo más heredero Boyle que no de Romero. Y si bien los 4 primeros capítulos se hacen dinámicos, nos olemos un quinto precipitado que en 25 minutos debe cerrar la serie. Y efectivamente se precipita su conclusión e incluso el pretendido momento "confesionario" no acaba de cuajar, y deja a Dead Set como un pobre aporte a todo lo visto en el género.
En definitiva, un producto ameno y salvaje, con algún momento brillante y otros bastante divertidos. Una buena opción casera que mejora lo que ofrece el cine de terror en cartelera y nos da alas a pensar en cómo sería la versión patria del asunto.
Lo mejor: Los dos primeros capítulos presagian algo novedoso e inteligente.
Lo peor: Los dos últimos confirman que nos equivocamos.
El dato: Para los perezosos, os dejo links para verlo online subtitulado aquí, aquí, aquí, aquí y aquí.
Zombies ya es una temática de poco calado entre los seguidores de Cuéntame o Escenas de matrimonio, pero por si fuera poco, Dead Set se adentra en el gore en no pocas ocasiones, aprovechando la ocasión para dar unas cuantas collejas al entorno de ciertos programas televisivos.
Año 2009. El Big Brother británico se prepara para noche de expulsiones y el equipo de producción trabaja a marchas forzadas. A las puertas de la casa se reúnen miles de fans esperando ver a la estrella expulsada, mientras que en otro punto de la ciudad unos altercados amenazan con informativos la franja horaria del programa. En medio del huracán se encuentra Kelly (Jaime Winstone), en plena crisis con su pareja y como chica de los recados en el programa.Pronto se precipitan los hechos, y la llegada de un zombie a los aledaños de la casa infecta a los espectadores provocando la locura. Poco a poco se habrá extendido el virus por toda el lugar y el único lugar seguro será dentro de la casa, donde los participantes viven ignorantes a la realidad. Los pocos supervivientes acabarán por reunirse con ellos para intentar encontrar una solución.
Sorprenden varios hechos en esta producción. Para empezar, como producto televisivo tiene un formato equiparable a muchos de los films en cartelera. Por otro lado, la crudeza de muchas escenas lo hace indicado para una pequeña franja de público, de hecho, se nos advierte al arranque de cada capítulo, además de recomendarnos verlo a oscuras. No es normal que un producto televisivo renuncie a cuota de pantalla tan fácilmente.
Pese a todo, no deja de ser lo que es, con las carencias que conlleva. Los actores provienen mayormente de series y sus interpretaciones funcionan mejor lejos de la emotividad. Dichos personajes son bastante obvios, aunque la gran baza es el uso que se les da a personajes que participan o producen un Big Brother. Así podemos ver a un despiadado productor que ante la crisis no duda en despedazar a un participante acabado y ofrecerlo como carnaza a la audiencia, literalmente. El resto de protagonistas, divos, más preocupados por su imagen fuera de la casa que por el fin del mundo.
Y es ahí donde funciona Dead Set, cuando se usa la temática para hacer una crítica a dichos formatos televisivos, fenómenos fan y todo clasismo o divismo de pequeña pantalla. No es un producto que nos vaya a dar qué pensar durante semanas, pero sí entretiene, como en el gran momento Mika en que zombies y fans actúan de igual manera.
El resto no dista demasiado de lo visto sobre zombies, siendo más heredero Boyle que no de Romero. Y si bien los 4 primeros capítulos se hacen dinámicos, nos olemos un quinto precipitado que en 25 minutos debe cerrar la serie. Y efectivamente se precipita su conclusión e incluso el pretendido momento "confesionario" no acaba de cuajar, y deja a Dead Set como un pobre aporte a todo lo visto en el género.En definitiva, un producto ameno y salvaje, con algún momento brillante y otros bastante divertidos. Una buena opción casera que mejora lo que ofrece el cine de terror en cartelera y nos da alas a pensar en cómo sería la versión patria del asunto.
Lo mejor: Los dos primeros capítulos presagian algo novedoso e inteligente.
Lo peor: Los dos últimos confirman que nos equivocamos.
El dato: Para los perezosos, os dejo links para verlo online subtitulado aquí, aquí, aquí, aquí y aquí.
viernes 26 de diciembre de 2008
El intercambio: Más sabe el zorro por viejo...
Clint Eastwood, 78 años y más de 50 dedicados a la profesión. 4 Oscar y más de 100 premios en una larga carrera plagada de grandes títulos. Hace relativamente poco le veíamos acompañado de su madre en la ceremonia de los Oscar. Y es que Clint Eastwood está hecho de otra pasta, y como tal, su cine desprende un aroma distinto y, a estas alturas, único.
Su nuevo film, El Intercambio, es duro, crudísimo, terrible por momentos. Film que ha entregado por completo al lucimiento de Angelina Jolie y sus dotes para el drama y cuya apuesta ha funcionado. El guión corre a cargo de J. Michael Straczynski, habitual de series, y adapta un hecho real acaecido en 1928 en Los Ángeles, donde la desaparición de un niño destapó toda una trama de corrupción policial y levantó a los ciudadanos contra el departamento de policía.
Christine Collins (Angelina Jolie) vive dedicada a su hijo. Compagina su trabajo como operadora telefónica con el cuidado de su hijo como madre soltera. Christine ha prometido a Walter (Gattlin Griffith) llevarlo al cine, pero una suplencia en el trabajo le obliga a posponer el plan, dejando solo en casa a su hijo. Ésa será la última vez que lo vea.
Después de 5 meses de búsqueda por parte de unas cuestionadas autoridades, Christine recibe la noticia de que su hijo ha sido localizado con vida. La prensa se hace eco de la noticia y el encuentro entre madre e hijo es multitudinario, pero Christine pronto se dará cuenta de que no es su hijo el crío que le han puesto en los brazos. Así comenzará la lucha de una madre contra el sistema y un departamento de policía más que cuestionado, ayudada por el reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich).
Ver El Intercambio es lo más parecido a un viaje en el tiempo, con una historia que nos transporta a los años 30 y un estilo añejo a la hora de filmar. Eastwood es capaz de presentarnos una historia que crece en complejidad, tomarse casi dos horas y media para explicarla, huir de toda precipitación o aceleramiento en la narración, y no aburrirnos. Eastwood es consciente del material que tiene y se preocupa de darle el formato adecuado, de dar tiempo al espectador para digerir una historia cada vez más descarnada y afrontar cada etapa del guión con paso firme.
A ello ayuda la desgarradora interpretación de Angelina Jolie, que aprovecha a la perfección su primera gran oportunidad de reivindicarse como actriz de primera fila. Antes ya la tuvo con Winterbottom en Un corazón invencible, film que no tuvo la repercusión necesaria para colarse entre los grandes títulos del año, pero que le valió a Jolie una nominación al globo de oro. Y de la mano de Eastwood compone un personaje que debe pasar de la fragilidad a la fuerza para hacer frente a su drama, en un mundo donde las mujeres no tenían el mínimo poder.
Si bien la apuesta comienza con una trama digna de la pequeña pantalla, su discurso va creciendo poco a poco hasta presentarnos escenas de una enorme crudeza. Las piezas van encajando, engrosando el drama y si bien el arranque se centra en la búsqueda del niño y dicho intercambio, finalmente tenemos la lucha de una madre contra el sistema y todo el proceso judicial que conlleva, paralelo a la trama de asesinato de niños.
Si prodigioso es el trabajo de Eastwood tras la cámara, no lo es menos con la partitura, salpicando el film de elegancia y prescindiendo de todo adorno cuando la escena ya se vale por sí misma para aterrar. Tom Stern nos regala una fotografía preciosista, haciendo hincapié en los pequeños gestos, los objetos y los detalles que ejemplifican lo que se nos está explicando. Y así como soberbio es el guión de J. Michael Straczynski, donde sólo podemos criticar su excesivo final, alargado aunque interesante y necesario.
En definitiva, un film brillante, contundente, que muestra el saber hacer de Clint Eastwood y a sus 78 años lo coloca como el director más interesante del panorama cinematográfico. Cierra 2008 colocando El Intercambio entre los 5 mejores films del año, y teniendo pendiente de estreno Gran Torino, la que será su última interpretación. Si alguna pega hemos de poner a Eastwood es el presentarnos una historia donde buenos y malos se presentan claramente y al espectador le llega todo ya masticado. Eso no resta mérito a las interpretaciones de Malkovich, Colm Feore, Jeffrey Donovan o Michael Kelly, pero son personajes previsibles.
Lo mejor: Su estilo, sobrio y directo, sin abusar de adornos ni excesos.
Lo peor: Su alargado final y el maniqueísmo en los personajes.
El dato: La frase "Nunca empieces una pelea, sólo acábala" es de Babylon 5, cuyo guionista es el mismo Straczynski. Así como Hilary Swank y Reese Witherspoon eran candidatas a protagonizar el film, pero Ron Howard como productor convenció a Eastwood que Jolie daba más el perfil de la época. Afortunadamente Howard desistió de dirigirla por cuestiones de agenda, e Eastwood firmó de inmediato al acabar de leer el guión.
Su nuevo film, El Intercambio, es duro, crudísimo, terrible por momentos. Film que ha entregado por completo al lucimiento de Angelina Jolie y sus dotes para el drama y cuya apuesta ha funcionado. El guión corre a cargo de J. Michael Straczynski, habitual de series, y adapta un hecho real acaecido en 1928 en Los Ángeles, donde la desaparición de un niño destapó toda una trama de corrupción policial y levantó a los ciudadanos contra el departamento de policía.
Christine Collins (Angelina Jolie) vive dedicada a su hijo. Compagina su trabajo como operadora telefónica con el cuidado de su hijo como madre soltera. Christine ha prometido a Walter (Gattlin Griffith) llevarlo al cine, pero una suplencia en el trabajo le obliga a posponer el plan, dejando solo en casa a su hijo. Ésa será la última vez que lo vea.Después de 5 meses de búsqueda por parte de unas cuestionadas autoridades, Christine recibe la noticia de que su hijo ha sido localizado con vida. La prensa se hace eco de la noticia y el encuentro entre madre e hijo es multitudinario, pero Christine pronto se dará cuenta de que no es su hijo el crío que le han puesto en los brazos. Así comenzará la lucha de una madre contra el sistema y un departamento de policía más que cuestionado, ayudada por el reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich).
Ver El Intercambio es lo más parecido a un viaje en el tiempo, con una historia que nos transporta a los años 30 y un estilo añejo a la hora de filmar. Eastwood es capaz de presentarnos una historia que crece en complejidad, tomarse casi dos horas y media para explicarla, huir de toda precipitación o aceleramiento en la narración, y no aburrirnos. Eastwood es consciente del material que tiene y se preocupa de darle el formato adecuado, de dar tiempo al espectador para digerir una historia cada vez más descarnada y afrontar cada etapa del guión con paso firme.
A ello ayuda la desgarradora interpretación de Angelina Jolie, que aprovecha a la perfección su primera gran oportunidad de reivindicarse como actriz de primera fila. Antes ya la tuvo con Winterbottom en Un corazón invencible, film que no tuvo la repercusión necesaria para colarse entre los grandes títulos del año, pero que le valió a Jolie una nominación al globo de oro. Y de la mano de Eastwood compone un personaje que debe pasar de la fragilidad a la fuerza para hacer frente a su drama, en un mundo donde las mujeres no tenían el mínimo poder.
Si bien la apuesta comienza con una trama digna de la pequeña pantalla, su discurso va creciendo poco a poco hasta presentarnos escenas de una enorme crudeza. Las piezas van encajando, engrosando el drama y si bien el arranque se centra en la búsqueda del niño y dicho intercambio, finalmente tenemos la lucha de una madre contra el sistema y todo el proceso judicial que conlleva, paralelo a la trama de asesinato de niños.
Si prodigioso es el trabajo de Eastwood tras la cámara, no lo es menos con la partitura, salpicando el film de elegancia y prescindiendo de todo adorno cuando la escena ya se vale por sí misma para aterrar. Tom Stern nos regala una fotografía preciosista, haciendo hincapié en los pequeños gestos, los objetos y los detalles que ejemplifican lo que se nos está explicando. Y así como soberbio es el guión de J. Michael Straczynski, donde sólo podemos criticar su excesivo final, alargado aunque interesante y necesario.En definitiva, un film brillante, contundente, que muestra el saber hacer de Clint Eastwood y a sus 78 años lo coloca como el director más interesante del panorama cinematográfico. Cierra 2008 colocando El Intercambio entre los 5 mejores films del año, y teniendo pendiente de estreno Gran Torino, la que será su última interpretación. Si alguna pega hemos de poner a Eastwood es el presentarnos una historia donde buenos y malos se presentan claramente y al espectador le llega todo ya masticado. Eso no resta mérito a las interpretaciones de Malkovich, Colm Feore, Jeffrey Donovan o Michael Kelly, pero son personajes previsibles.
Lo mejor: Su estilo, sobrio y directo, sin abusar de adornos ni excesos.
Lo peor: Su alargado final y el maniqueísmo en los personajes.
El dato: La frase "Nunca empieces una pelea, sólo acábala" es de Babylon 5, cuyo guionista es el mismo Straczynski. Así como Hilary Swank y Reese Witherspoon eran candidatas a protagonizar el film, pero Ron Howard como productor convenció a Eastwood que Jolie daba más el perfil de la época. Afortunadamente Howard desistió de dirigirla por cuestiones de agenda, e Eastwood firmó de inmediato al acabar de leer el guión.
La recomendación de la semana: Cuando Harry encontró a Sally
Lo sé, morgueros, las fiestas me han puesto sentimental. Era la única de las candidatas que tenía algo cercano a la navidad, y además tiene a Carrie Fisher, no se puede pedir más. Un film amable para tan amable época del año, y que sirve como denuncia a los estragos del botox.
miércoles 24 de diciembre de 2008
Grandes bandas sonoras: Feliz Navidad, Mr.Lawrence
Pues seguramente habrá mejores bandas sonoras para felicitaros la navidad, pero como las habéis pensado ya, os traigo otra cosa distinta. La canción se titula Feliz Navidad en el campo de batalla, y la compuso Ryuichi Sakamoto para el film de Oshima.
LCM les felicita la Navidad
¡¡¡Los habitantes de La Calle Morgue y Edgar Allan Poe les deseamos unas Felices y Oscuras Fiestas!!!
Escuchad los trineos y las campanas... y quitadme el gorrito de una vez.
Escuchad los trineos y las campanas... y quitadme el gorrito de una vez.My Blueberry Nights: Kamikazes emocionales, puertas abiertas y el cobijo de la noche
Wong Kar Wai es un esteta, y como tal hay que valorarlo. Sus historias nacen de un guión y acaban por diluirse en las imágenes, a la deriva, esperando que el espectador las rescate y las lleve a casa. Insinúa y propone desde historias cercanas, universales, con un lenguaje visual recargado y onírico en un íntimo uso de la cámara.
Con un incomprensible año de retraso nos llega My Blueberry Nights, con un elenco de actores impresionante. Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz y David Strathairn liderados por una debutante Norah Jones para una historia de desamores, barras de bar y dulce tristeza. Y es que como dice un gran poeta patrio, "es la falta de amor la que llena los bares".
Elizabeth (Norah Jones) descubre que su pareja le está engañando gracias al camarero del bar (Jude Law) donde éste se ha visto con la amante. Buscando un hombro sobre el que llorar pasará varias noches en compañía de Jeremy, el camarero, hasta decidir emprender un viaje hacia el olvido.
En su travesía irá enviado postales a Jeremy, y se cruzará en su camino Arnie (David Strathairn), un alcohólico aún enamorado de su aún mujer (Rachel Weisz). El siguiente paso le llevará a Las Vegas, donde podrá admirar a los jugador de póquer. Allí topará con Leslie, una impulsiva jugadora que le propondrá un interesante trato.
Wong Kar Wai sigue apostando por las mismas historias, por la misma fórmula, sólo que esta vez americanizado. Su mensaje es universal, así como también lo es el ambiente de los bares, la noche y el desamor. Sus personajes son juguetes rotos a disposición de una propuesta estética donde azarosos afrontan su destino en una mano de póquer cerrado.
Su estructura puede emparentarse perfectamente con Vicky Cristina Barcelona, pero si el genio de Nueva York es más cerebral, el chino argumenta menos y decora más. Ambos en un viaje de ida y vuelta donde sólo arranque y cierre están definidos, y el trayecto es un divagar por las emociones de los protagonistas. No esperemos un orden o dirección en un film que trata de gente que no lo tiene, y ese es el principal enemigo de Wong Kar Wai, que no interese lo que narra.
Sorprende que entregue el timón interpretativo a una debutante como Norah Jones, pero no podemos negar su acierto, pese a que ésta tenga sus limitaciones. El resto del reparto está excelente, desde el paciente Jeremy encarnado por Jude Law a la impulsiva Sue Lynne, a la que da vida la eterna adolescente Natalie Portman. Pero sobretodo destacan David Strathairn en su actuación y Rachel Weisz en su presencia, con la historia más interesante del film.
La labor del director es impecable, revistiendo de elegancia el dolor de sus protagonistas, buscando el punto exacto entre la intimidad y el voyeurismo, y llenando de color cada plano. Sin buscar la trascendencia ni con grandes discursos, desgrana frase a frase los intrincados caminos del dolor, la frustración y las esperanzas de sus protagonistas. Todo ello con la excelente fotografía de Darius Khondji y la banda sonora a cargo del mítico Ry Cooder y la propia Norah Jones con guiño a la banda sonora de Deseando amar incluido.
En definitiva, un canto al sufrimiento y la esperanza, un viaje en la montaña rusa de unos personajes rasgados, sangrantes, desesperados, pero desde la elegancia y la lejanía, asumiendo nuestro papel de espectador. Un trayecto que el director quiere que disfrutemos, que lo saboreemos, pero nunca que suframos o nos impliquemos.
Lo mejor: La historia central del film.
Lo peor: Las escenas en Las Vegas.
El dato: El nombre del bar de Jeremy es Klyuch, que significa "llave" en ruso.
Con un incomprensible año de retraso nos llega My Blueberry Nights, con un elenco de actores impresionante. Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz y David Strathairn liderados por una debutante Norah Jones para una historia de desamores, barras de bar y dulce tristeza. Y es que como dice un gran poeta patrio, "es la falta de amor la que llena los bares".
Elizabeth (Norah Jones) descubre que su pareja le está engañando gracias al camarero del bar (Jude Law) donde éste se ha visto con la amante. Buscando un hombro sobre el que llorar pasará varias noches en compañía de Jeremy, el camarero, hasta decidir emprender un viaje hacia el olvido.En su travesía irá enviado postales a Jeremy, y se cruzará en su camino Arnie (David Strathairn), un alcohólico aún enamorado de su aún mujer (Rachel Weisz). El siguiente paso le llevará a Las Vegas, donde podrá admirar a los jugador de póquer. Allí topará con Leslie, una impulsiva jugadora que le propondrá un interesante trato.
Wong Kar Wai sigue apostando por las mismas historias, por la misma fórmula, sólo que esta vez americanizado. Su mensaje es universal, así como también lo es el ambiente de los bares, la noche y el desamor. Sus personajes son juguetes rotos a disposición de una propuesta estética donde azarosos afrontan su destino en una mano de póquer cerrado.
Su estructura puede emparentarse perfectamente con Vicky Cristina Barcelona, pero si el genio de Nueva York es más cerebral, el chino argumenta menos y decora más. Ambos en un viaje de ida y vuelta donde sólo arranque y cierre están definidos, y el trayecto es un divagar por las emociones de los protagonistas. No esperemos un orden o dirección en un film que trata de gente que no lo tiene, y ese es el principal enemigo de Wong Kar Wai, que no interese lo que narra.
Sorprende que entregue el timón interpretativo a una debutante como Norah Jones, pero no podemos negar su acierto, pese a que ésta tenga sus limitaciones. El resto del reparto está excelente, desde el paciente Jeremy encarnado por Jude Law a la impulsiva Sue Lynne, a la que da vida la eterna adolescente Natalie Portman. Pero sobretodo destacan David Strathairn en su actuación y Rachel Weisz en su presencia, con la historia más interesante del film.
La labor del director es impecable, revistiendo de elegancia el dolor de sus protagonistas, buscando el punto exacto entre la intimidad y el voyeurismo, y llenando de color cada plano. Sin buscar la trascendencia ni con grandes discursos, desgrana frase a frase los intrincados caminos del dolor, la frustración y las esperanzas de sus protagonistas. Todo ello con la excelente fotografía de Darius Khondji y la banda sonora a cargo del mítico Ry Cooder y la propia Norah Jones con guiño a la banda sonora de Deseando amar incluido.En definitiva, un canto al sufrimiento y la esperanza, un viaje en la montaña rusa de unos personajes rasgados, sangrantes, desesperados, pero desde la elegancia y la lejanía, asumiendo nuestro papel de espectador. Un trayecto que el director quiere que disfrutemos, que lo saboreemos, pero nunca que suframos o nos impliquemos.
Lo mejor: La historia central del film.
Lo peor: Las escenas en Las Vegas.
El dato: El nombre del bar de Jeremy es Klyuch, que significa "llave" en ruso.
martes 23 de diciembre de 2008
Poster alternativo de El curioso caso de Benjamin Button
Todos habéis visto los posters promocionales de El curioso caso de Benjamin Button, pero ahora ha salido a luz uno que se descartó. Forma parte de la campaña de promoción de cara a los Oscar, y no se sabe la razón de su descarte de cara a promocionarlo en las salas. El caso es que dice mucho más éste sobre el film que los publicados hasta ahora, pero con la desventaja que no aparece Brad Pitt. Juzgad vosotros, morgueros, ¿cuál os gusta más?
Fuente: SlashFilm
Fuente: SlashFilmLa frase de la semana: My Blueberry Nights
"Esto sabe bastante horrible. Pero supongo que nadie lo toma por el sabor, ¿verdad?".
lunes 22 de diciembre de 2008
La imagen de la semana
Woody Allen pasará Nochevieja en Murcia. Sin palabras, y con todos mis respetos a los murcianos. El eterno amante de New York abandona su ciudad para dar un concierto con su banda de jazz, y quien tenga dinero para pagarlo, aún estará a tiempo de conseguir una mesa.
Todo esto es obviamente por el vil metal, en una fiesta organizada por una importante promotora inmobiliaria.
Todo esto es obviamente por el vil metal, en una fiesta organizada por una importante promotora inmobiliaria.La ola: Eliminando la unidad, dominando al grupo
La fuerza a través de la disciplina, la fuerza a través del grupo, la fuerza a través de la acción, la fuerza a través del orgullo. Primero aprendemos a sentarnos, a respetar al líder y a hablar en alto usando sólo las palabras necesarias, hecho que mejora nuestra atención.
Después nos enseñan que nos llamamos La tercera ola (la más poderosa), a usar nuestro saludo, nuestros emblemas y luchar como grupo. Jugamos como equipo, nos ayudamos unos a otros y mejora nuestra motivación.
Como colectivo, vestimos nuestro uniforme, usamos nuestros símbolos y aprendemos que más allá de nosotros está el enemigo. Ya no somos individuos, somos un grupo, un ente que unido no tiene límites y no conoce el fracaso. Una respuesta global a vacíos individuales que inevitablemente lleva a una obediencia ciega.
Ese fue el experimento llevado por Ron Jones en su clase de historia contemporánea, en Abril de 1967. Ante las afirmaciones de sus alumnos a que el nazismo estaba superado y no podría volver a suceder, decidió dedicar una semana a imponer una autarquía. Al cuarto día tuvo que parar su experimento porque La tercera ola se le había escapado de las manos y cobrado vida propia fuera de las aulas.
Rainer Wenger (Jürgen Vogel) es el profesor menos popular entre el profesorado del instituto. Cuando llega la semana de proyectos, esperando poder dar la clase sobre anarquía, le asignan la de autocracia. Su indumentaria y su pasado como okupa no ayuda a las buenas relaciones con el resto del profesorado con lo que acepta tratar sobre autarquía durante dicha semana.
Ante el poco entusiasmo de sus alumnos y su actitud creyendo saberlo todo, Rainer decidirá dejar la teoría para pasar a la práctica. El cambio de sistema gustará a los alumnos, que entusiasmados llenarán su clase, mientras que a medida que el experimento avanza, muchos de ellos verán el peligro que conlleva, iniciando un movimiento contrario a La Ola.
La Ola es uno de esos films imperfectos, tramposos, pero con un mensaje tan contundente que uno no puede apartar la mirada de la pantalla. No nos engañemos, los personajes son estereotipos, las situaciones forzadas y llevadas al extremo, y la resolución ciertamente previsible, pero para entonces el mensaje ya ha sido lanzado. Al finalizar sus 101 minutos ya somos víctimas de La Ola.
No es fácil llevar a la pantalla una historia tan compleja como ésta, donde carecer de realismo la hundiría y excederse en metraje y discurso aburriría. Sin embargo Dennis Gansel ha sabido congeniar ambos factores para hacernos llegar una historia con personajes cercanos aunque prototípicos, con un ritmo altísimo al que perdonamos ciertas incongruencias.
Los protagonistas juveniles cumplen perfectamente con su labor, pese a ser personajes mas impulsivos que reflexivos. Se nos presentan aspectos de su vida suficientes para entender sus decisiones, mientras que del profesor vemos retazos de su relación con su pareja (Christiane Paul) y su implicación personal en tan peligroso proyecto. Jürgen Vogel logra gran autenticidad como profesor seducido por su poder.
Dennis Gansel filma sin temblarle el pulso, con convicción y garra, metiéndo al espectador dentro del grupo en todo momento. Pero destaca aún más su guión, sólido y trabajado, donde cada escena tiene un significado y una intencionalidad, sin dar un respiro al espectador. Sirva de ejemplo la escena callejera con las pegatinas, donde Gansel se encarga de mostrar como el logo de La Ola es colocado en coches patrulla, cajeros automáticos, iglesias y antenas, es decir, policía, religión, capitalismo y medios de comunicación.
En definitiva, un film excelente que demuestra el buen momento del cine alemán. Un inteligente ejercicio creado para no dejar indiferente a nadie, que huye de obviedades y sensiblería, y cuya maquinaría funciona a la perfección construyendo, escena a escena, un discurso demoledor.
Lo mejor: Su protagonista y las escenas dentro de clase.
Lo peor: El precipitado final.
El dato: Aquí podéis encontrar información sobre el experimento real que inspiró el film.
Después nos enseñan que nos llamamos La tercera ola (la más poderosa), a usar nuestro saludo, nuestros emblemas y luchar como grupo. Jugamos como equipo, nos ayudamos unos a otros y mejora nuestra motivación.
Como colectivo, vestimos nuestro uniforme, usamos nuestros símbolos y aprendemos que más allá de nosotros está el enemigo. Ya no somos individuos, somos un grupo, un ente que unido no tiene límites y no conoce el fracaso. Una respuesta global a vacíos individuales que inevitablemente lleva a una obediencia ciega.
Ese fue el experimento llevado por Ron Jones en su clase de historia contemporánea, en Abril de 1967. Ante las afirmaciones de sus alumnos a que el nazismo estaba superado y no podría volver a suceder, decidió dedicar una semana a imponer una autarquía. Al cuarto día tuvo que parar su experimento porque La tercera ola se le había escapado de las manos y cobrado vida propia fuera de las aulas.
Rainer Wenger (Jürgen Vogel) es el profesor menos popular entre el profesorado del instituto. Cuando llega la semana de proyectos, esperando poder dar la clase sobre anarquía, le asignan la de autocracia. Su indumentaria y su pasado como okupa no ayuda a las buenas relaciones con el resto del profesorado con lo que acepta tratar sobre autarquía durante dicha semana.Ante el poco entusiasmo de sus alumnos y su actitud creyendo saberlo todo, Rainer decidirá dejar la teoría para pasar a la práctica. El cambio de sistema gustará a los alumnos, que entusiasmados llenarán su clase, mientras que a medida que el experimento avanza, muchos de ellos verán el peligro que conlleva, iniciando un movimiento contrario a La Ola.
La Ola es uno de esos films imperfectos, tramposos, pero con un mensaje tan contundente que uno no puede apartar la mirada de la pantalla. No nos engañemos, los personajes son estereotipos, las situaciones forzadas y llevadas al extremo, y la resolución ciertamente previsible, pero para entonces el mensaje ya ha sido lanzado. Al finalizar sus 101 minutos ya somos víctimas de La Ola.
No es fácil llevar a la pantalla una historia tan compleja como ésta, donde carecer de realismo la hundiría y excederse en metraje y discurso aburriría. Sin embargo Dennis Gansel ha sabido congeniar ambos factores para hacernos llegar una historia con personajes cercanos aunque prototípicos, con un ritmo altísimo al que perdonamos ciertas incongruencias.
Los protagonistas juveniles cumplen perfectamente con su labor, pese a ser personajes mas impulsivos que reflexivos. Se nos presentan aspectos de su vida suficientes para entender sus decisiones, mientras que del profesor vemos retazos de su relación con su pareja (Christiane Paul) y su implicación personal en tan peligroso proyecto. Jürgen Vogel logra gran autenticidad como profesor seducido por su poder.
Dennis Gansel filma sin temblarle el pulso, con convicción y garra, metiéndo al espectador dentro del grupo en todo momento. Pero destaca aún más su guión, sólido y trabajado, donde cada escena tiene un significado y una intencionalidad, sin dar un respiro al espectador. Sirva de ejemplo la escena callejera con las pegatinas, donde Gansel se encarga de mostrar como el logo de La Ola es colocado en coches patrulla, cajeros automáticos, iglesias y antenas, es decir, policía, religión, capitalismo y medios de comunicación.En definitiva, un film excelente que demuestra el buen momento del cine alemán. Un inteligente ejercicio creado para no dejar indiferente a nadie, que huye de obviedades y sensiblería, y cuya maquinaría funciona a la perfección construyendo, escena a escena, un discurso demoledor.
Lo mejor: Su protagonista y las escenas dentro de clase.
Lo peor: El precipitado final.
El dato: Aquí podéis encontrar información sobre el experimento real que inspiró el film.
domingo 21 de diciembre de 2008
Grandes momentos del cine: Amélie
Unos títulos de crédito que me siguen emocionando sin saber el motivo, aunque mucho tendrá que ver la excelente música de Yann Tiersen.
sábado 20 de diciembre de 2008
La recomendación del lector
Después de cumplir con Ángel el trámite de ver Colega, ¿dónde está mi coche?, toca nueva ronda de recomendaciones, la séptima. Silvia se adelanta recomendando en otro post Pequeño Buda, de Bertolucci. ¿Alguna sugerencia más? ¿Algo navideño para cerrar el año?
¡Soy todo oídos, morgueros!
¡Soy todo oídos, morgueros!Colega,¿dónde está mi coche?: Humor absurdo (casi) sin humor
Si hay actor al que soporte menos que a Jack Black, ese es Seann William Scott. Efectivamente, mal empiezo la crítica reconociendo la poca estima que le tengo a uno de los protagonistas, y más cuando precisamente su papel versa sobre lo idiota que puede llegar a ser. Tampoco trago a Mel Gibson y, sin embargo, me encantó la excelente Señales o la secuela de Mad Max.
Por suerte, el acercamiento a este film no requiere grandes dotes de investigación, y uno sabe de sobras que puede esperarse lo peor, un juvenil absurdo sin más intención que el de sacarnos algunas risas. Y desde luego, el título aún ayuda menos a motivar algún tipo de interés sobre este tipo de comedias, donde American Pie se considera la más lograda. Y he de decir que si tuviera que quedarme con una de entre American Pie, cualquiera de las Scary/Date/Disaster Movie o la que nos trae hoy aquí, me quedo con Colega, ¿dónde está mi coche?
Jesse (Ashton Kutcher) y Chester (Seann William Scott) son dos despojos humanos colegas de piso que después de una noche loca que no recuerdan deben recoger los regalos que guardan en el coche para celebrar sus aniversarios con sus parejas. Al descubrir que no recuerdan dónde está su coche, decidirán volver tras sus pasos para averiguar qué paso en tan movida noche.
Primero toparán con un transexual que les reclamará el maletín lleno de dinero que les encargó custodiar. Más tarde, un grupo de tarados les advertirá sobre un artilugio llamado transfuncionador del continuo que deberán entregar a su líder Zoltan en cuanto lo recuperen. A ellos se unirá un grupo de tías buenorras embutidas en cuero negro que les prometerán placer a cambio de dicho transfuncionador, mientras ellos sigan su odisea para recuperar el coche, los regalos y ser los mejores novios.
Vista la temática, lo de absurdo cuadra perfectamente con el film, y como tal, es difícil medir lo logrado o no de los gags. El humor sigue derroteros más complejos que los del drama, y más de una vez habremos puesto cara de póquer ante algún hecho que a otros hacer llorar de la risa. Las dos escenas más mencionadas del film me dejaron frío, y parece que el hecho de conocerlas de antemano no debe ser un obstáculo, pero sin duda el chiste de los tatuajes y el de la comida china me parecieron largos y obvios.
Sin embargo, otros detalles menos preparados, menos forzados, me parecieron más logrados, ya metidos en una espiral de locuras y sinsentidos. Y es que si uno no se deja arrastrar desde el principio, si no baja la guardia y no asume desde el principio que el film es malo hasta el tuétano, puede llevarse un disgusto, mientras que partiendo de lo contrario, nos podemos llevar alguna risa puesta.
Algo que hay que valorar de esta canallada, es su guión (sí, habéis leído bien). Si bien se van encadenando gansadas, la historia está bien perfilada para que, poco a poco, se vayan desentrañando los sucesos acontecidos la noche anterior. Todo ello condensado en 83 minutos que no dan lugar al aburrimiento (a la vergüenza ajena es otra cosa), y donde los diferentes grupos dan suficiente juego y amplitud como para valorar mínimamente el trabajo de Philip Stark, ex-guionista de South Park.
El resto se reduce a valorar Colega, ¿dónde está mi coche? en función de las risas que consigue provocarnos, porque cualquier otro apartado sería un despropósito nombrarlo. Eso sí, destacar la aparición de una joven Sidney Bristow Jennifer Garner, con 28 añitos haciendo de adolescente. Actriz muy criticada por su inefable papel de Elektra, pero que ha trabajado para Woody Allen, Steven Spielberg, Michael Bay, y nominada a 4 premios Emmy y 4 Globos de Oro, habiendo ganado uno entre otros 7 premios. La pobre ya tiene lo suyo con su marido...
En definitiva, Colega, ¿dónde está mi coche? es un film absurdo, sin ningún mérito cinematográfico ni la mínima intencionalidad más allá de distraernos un rato, cosa que logra. Un film que no esconde sus cartas, que si bien flojea como comedia, desborda imaginación en las situaciones que presenta. Sólo apto para verlo en compañía de Don Tedio, y en ausencia Doña Alternativa.
Lo mejor: La escena del niño ciego.
Lo peor: No eran necesarios tan amébicos protagonistas.
El dato: La historia venía rechazada de una propuesta para un film de Beavis and Butt-Head con personajes reales. El título está sacado de un diálogo de El Gran Lebowsky.
Por suerte, el acercamiento a este film no requiere grandes dotes de investigación, y uno sabe de sobras que puede esperarse lo peor, un juvenil absurdo sin más intención que el de sacarnos algunas risas. Y desde luego, el título aún ayuda menos a motivar algún tipo de interés sobre este tipo de comedias, donde American Pie se considera la más lograda. Y he de decir que si tuviera que quedarme con una de entre American Pie, cualquiera de las Scary/Date/Disaster Movie o la que nos trae hoy aquí, me quedo con Colega, ¿dónde está mi coche?
Jesse (Ashton Kutcher) y Chester (Seann William Scott) son dos Primero toparán con un transexual que les reclamará el maletín lleno de dinero que les encargó custodiar. Más tarde, un grupo de tarados les advertirá sobre un artilugio llamado transfuncionador del continuo que deberán entregar a su líder Zoltan en cuanto lo recuperen. A ellos se unirá un grupo de tías buenorras embutidas en cuero negro que les prometerán placer a cambio de dicho transfuncionador, mientras ellos sigan su odisea para recuperar el coche, los regalos y ser los mejores novios.
Vista la temática, lo de absurdo cuadra perfectamente con el film, y como tal, es difícil medir lo logrado o no de los gags. El humor sigue derroteros más complejos que los del drama, y más de una vez habremos puesto cara de póquer ante algún hecho que a otros hacer llorar de la risa. Las dos escenas más mencionadas del film me dejaron frío, y parece que el hecho de conocerlas de antemano no debe ser un obstáculo, pero sin duda el chiste de los tatuajes y el de la comida china me parecieron largos y obvios.
Sin embargo, otros detalles menos preparados, menos forzados, me parecieron más logrados, ya metidos en una espiral de locuras y sinsentidos. Y es que si uno no se deja arrastrar desde el principio, si no baja la guardia y no asume desde el principio que el film es malo hasta el tuétano, puede llevarse un disgusto, mientras que partiendo de lo contrario, nos podemos llevar alguna risa puesta.
Algo que hay que valorar de esta canallada, es su guión (sí, habéis leído bien). Si bien se van encadenando gansadas, la historia está bien perfilada para que, poco a poco, se vayan desentrañando los sucesos acontecidos la noche anterior. Todo ello condensado en 83 minutos que no dan lugar al aburrimiento (a la vergüenza ajena es otra cosa), y donde los diferentes grupos dan suficiente juego y amplitud como para valorar mínimamente el trabajo de Philip Stark, ex-guionista de South Park.
El resto se reduce a valorar Colega, ¿dónde está mi coche? en función de las risas que consigue provocarnos, porque cualquier otro apartado sería un despropósito nombrarlo. Eso sí, destacar la aparición de una joven En definitiva, Colega, ¿dónde está mi coche? es un film absurdo, sin ningún mérito cinematográfico ni la mínima intencionalidad más allá de distraernos un rato, cosa que logra. Un film que no esconde sus cartas, que si bien flojea como comedia, desborda imaginación en las situaciones que presenta. Sólo apto para verlo en compañía de Don Tedio, y en ausencia Doña Alternativa.
Lo mejor: La escena del niño ciego.
Lo peor: No eran necesarios tan amébicos protagonistas.
El dato: La historia venía rechazada de una propuesta para un film de Beavis and Butt-Head con personajes reales. El título está sacado de un diálogo de El Gran Lebowsky.
viernes 19 de diciembre de 2008
Resultados de la encuesta sobre El Padrino
Pues no ha habido mucha sorpresa, la verdad, aunque mi intención era calibrar las preferencias de los lectores de LCM. Obviamente los votos se han repartido en el mismo orden que fueron filmados, y reducidos a la mitad por cada nueva entrega.
El Padrino: 15 votos
El Padrino II: 8 votos
El Padrino III: 4 votos
Queda todo dicho, pese a que para mí es superior la segunda entrega. El Padrino es Marlon Brando, y punto.
¡Gracias a todos por votar!
El Padrino: 15 votos
El Padrino II: 8 votos
El Padrino III: 4 votos
Queda todo dicho, pese a que para mí es superior la segunda entrega. El Padrino es Marlon Brando, y punto.
¡Gracias a todos por votar!
La recomendación de la semana: Delicatessen
Pues eso, una delicatessen, de cuando Jeunet y Caro compartían talento. Si no os gustán los títulos de crédito, ya podéis parar el reproductor y a otra cosa, que la vida es corta.
jueves 18 de diciembre de 2008
Aparecidos: Asustar por aburrimiento
Volvemos al cine español con aire americano, de la mano de Paco Cabezas. Y es que El Orfanato ha hecho mucho daño, así como Los Otros, films muy sobrevalorados. Tanto que volvemos a la temática de fantasmas en Aparecidos, loable pero fallido intento de crear una buena historia sobre la que levantar un film de terror.
Y es que no negaremos que un film de terror que no da miedo es un fracaso, aunque otros quieran llamarlo thriller. Cosas así suceden cuando copiamos el modelo americano, pero queremos que se note la procedencia del producto, intentado que tenga sello propio, y en éste caso el único sello es el uso continuo de tacos, para que se note que son españoles. El resto es pecar de ambicioso.
Malena (Ruth Díaz) y Pablo (Javier Pereira) están de viaje en Argentina para firmar los papeles que desconecten las máquinas que mantienen con vida a su padre. Malena tuvo tiempo para odiarle, pero Pablo apenas tiene recuerdos de él y se niega a dar la segunda firma necesaria para la desconexión. Ante el posible viaje de vacío, Pablo propone firmar los papeles a cambio de viajar a la casa donde crecieron.
Durante el viaje se cruzará una niña que provocará el descubrimiento de un extraño diario donde se detalla el asesinato de una familia 20 años atrás. Siguiendo los pasos del diario, como un mero juego morboso, se verán inmersos en la repetición de dichos acontecimientos con unos espíritus que sólo ellos podrán ver.
La idea, a priori, suena atractiva, pero desde un buen principio vemos claro que el producto va a acabar haciendo aguas. Primero por una pretendida estructura cíclica donde en el arranque vemos parte del final, y porque los protagonistas resultan realmente antipáticos. Destaca sobretodo lo artificial del personaje de Pablo, carente de naturalidad y lógica, y que protagoniza varias escenas ridículas.
A ello hay que añadir una serie de escenas dedicadas a crear tensión, pero tan previsibles que aburren. Y es que el principal valor de un film de terror debe ser implicar al espectador, conectar con él y después hacerle pasar miedo, y en este caso uno ve Aparecidos como quien mira una pecera. Tomemos como ejemplo la escena de la portada, que sucede en un bar, tan artificial como poco impactante.
No hay que negarle las buenas intenciones a Paco Cabezas, ni el saber hacer en su opera prima, pero peca poco de atrevido y nos ofrece más de lo mismo. Si bien el estilo está cuidado, y se agradece la fusión entre el thriller y la road-movie, Aparecidos carece de fuerza y ritmo, donde los giros salvan muchas incongruencias. El resultado es un film donde el apartado visual está bastante más trabajado que la historia, como si primero se preparara la escena y después se justificara para añadirla a la trama.
Sobre los actores poco que decir. Están correctos, sobretodo Ruth Díaz, pero la composición de los personajes a nivel de guión deja mucho que desear. Tanto es así que el motor de la historia es el hermano, que sin más justificación que la idiotez provoca cada una de las escenas del film. Y para rematar la faena, llegamos al final que vemos en el inicio del film, donde sabemos de sobras lo que pasa a pesar nuestro, ya que culmina el despropósito.
En definitiva, Aparecidos es un mal film, una historia de terror que ni está bien contada ni da miedo, y donde el tedio y la incoherencia hacen presencia en no pocas ocasiones. El supuesto mérito de tratar el tema que trata no salva la papeleta a una película donde los diálogos tienen más tacos que trascendencia.
Lo mejor: La primera escena del hotel.
Lo peor: Las numerosas incongruencias. Dos ejemplos: Firman los papeles y se van sin entregarlos, pero al volver, la protagonista se sorprende que su padre siga vivo. Otro es cuando la protagonista cree que el hermano se ha deshecho del libro, y éste vuelve para recogerlo donde lo dejó, en la mesa, bien a la vista.
El dato: El film se estrenó en Octubre de 2007 en el Festival de Sitges, para irse después estrenando en países como Grecia, Francia, Bélgica y finalmente España.
Y es que no negaremos que un film de terror que no da miedo es un fracaso, aunque otros quieran llamarlo thriller. Cosas así suceden cuando copiamos el modelo americano, pero queremos que se note la procedencia del producto, intentado que tenga sello propio, y en éste caso el único sello es el uso continuo de tacos, para que se note que son españoles. El resto es pecar de ambicioso.
Malena (Ruth Díaz) y Pablo (Javier Pereira) están de viaje en Argentina para firmar los papeles que desconecten las máquinas que mantienen con vida a su padre. Malena tuvo tiempo para odiarle, pero Pablo apenas tiene recuerdos de él y se niega a dar la segunda firma necesaria para la desconexión. Ante el posible viaje de vacío, Pablo propone firmar los papeles a cambio de viajar a la casa donde crecieron.Durante el viaje se cruzará una niña que provocará el descubrimiento de un extraño diario donde se detalla el asesinato de una familia 20 años atrás. Siguiendo los pasos del diario, como un mero juego morboso, se verán inmersos en la repetición de dichos acontecimientos con unos espíritus que sólo ellos podrán ver.
La idea, a priori, suena atractiva, pero desde un buen principio vemos claro que el producto va a acabar haciendo aguas. Primero por una pretendida estructura cíclica donde en el arranque vemos parte del final, y porque los protagonistas resultan realmente antipáticos. Destaca sobretodo lo artificial del personaje de Pablo, carente de naturalidad y lógica, y que protagoniza varias escenas ridículas.
A ello hay que añadir una serie de escenas dedicadas a crear tensión, pero tan previsibles que aburren. Y es que el principal valor de un film de terror debe ser implicar al espectador, conectar con él y después hacerle pasar miedo, y en este caso uno ve Aparecidos como quien mira una pecera. Tomemos como ejemplo la escena de la portada, que sucede en un bar, tan artificial como poco impactante.
No hay que negarle las buenas intenciones a Paco Cabezas, ni el saber hacer en su opera prima, pero peca poco de atrevido y nos ofrece más de lo mismo. Si bien el estilo está cuidado, y se agradece la fusión entre el thriller y la road-movie, Aparecidos carece de fuerza y ritmo, donde los giros salvan muchas incongruencias. El resultado es un film donde el apartado visual está bastante más trabajado que la historia, como si primero se preparara la escena y después se justificara para añadirla a la trama.
Sobre los actores poco que decir. Están correctos, sobretodo Ruth Díaz, pero la composición de los personajes a nivel de guión deja mucho que desear. Tanto es así que el motor de la historia es el hermano, que sin más justificación que la idiotez provoca cada una de las escenas del film. Y para rematar la faena, llegamos al final que vemos en el inicio del film, donde sabemos de sobras lo que pasa a pesar nuestro, ya que culmina el despropósito.En definitiva, Aparecidos es un mal film, una historia de terror que ni está bien contada ni da miedo, y donde el tedio y la incoherencia hacen presencia en no pocas ocasiones. El supuesto mérito de tratar el tema que trata no salva la papeleta a una película donde los diálogos tienen más tacos que trascendencia.
Lo mejor: La primera escena del hotel.
Lo peor: Las numerosas incongruencias. Dos ejemplos: Firman los papeles y se van sin entregarlos, pero al volver, la protagonista se sorprende que su padre siga vivo. Otro es cuando la protagonista cree que el hermano se ha deshecho del libro, y éste vuelve para recogerlo donde lo dejó, en la mesa, bien a la vista.
El dato: El film se estrenó en Octubre de 2007 en el Festival de Sitges, para irse después estrenando en países como Grecia, Francia, Bélgica y finalmente España.
miércoles 17 de diciembre de 2008
Grandes bandas sonoras: Deseando Amar
Aprovechando que se ha estrenado el último film del director chino Wong Kar Wai, My Blueberry Nights, os traigo una de sus bandas sonoras más recordadas. El mérito se lo debemos a Shigeru Umebayashi, habitual del director y ya acomodado en los EE.UU. Actualmente está trabajando en la partitura para la readaptación de La dama de Shangai, con el mismo Wong Kar Wai tras la cámara. Ahí lo dejo...
martes 16 de diciembre de 2008
Crepúsculo: Apretón adolescente en lata
Que el arte no deja de ser un negocio como otro cualquiera lo sabemos. Que hay mucho flautista ideando fórmulas para atraernos al cine, a las librerías o las tiendas de discos, lo sabemos. Que los productores prefieren fardar de yate antes que de obra maestra, lo sabemos. Eso sí, que lo sepamos no implica que nos guste que nos lo recuerden.
Ya lo decía Makinavaja, que en un mundo sin ética, sólo nos queda la estética, y eso es Crepúsculo. Las novelas de Stephenie Meyer nacen a la sombra de Harry Potter y films como Blade o Underworld, donde el filón vampiros-jóvenes funciona económicamente. Sin embargo ha tardado 3 años en aparecer la versión cinematográfica, cuando la saga escrita ha vendido suficientes ejemplares (más de 17 millones) como para ser una apuesta segura en cuanto a la rentabilidad de una adaptación.
Bella Swan (Kristen Stewart) decide mudarse cuando su madre se echa nuevo novio y deciden mudarse de Phoenix a Florida. Con las maletas se planta en casa de su padre, dispuesta a comenzar una nueva vida en un nuevo instituto de una pueblo tan tranquilo como Forks. Tardará poco en encontrar un grupo de amigos, así como descubrir un grupo de chicos raros, aislado, tardando poco en buscar la compañía del soltero de dicho grupo.
Todo cambiará cuando, recién iniciada su amistad, Edward Cullen (Robert Pattison) salve a Bella de morir aplastada por una furgoneta. Esa muestra sobrehumana llevará a Bella a intentar descubrir qué secreto esconde Edward, que no es otro que ser un vampiro con más de 80 años. La complicada relación entre un vampiro y una humana acarreará problema a Bella, Edward y el resto de vampiros que forman el grupo.
Crepúsculo no deja de ser un producto entretenido, pero que tiene dos problemas serios. El primero es que queda demasiado patente su sello, el público al que va dirigido y la intencionalidad. El segundo es que como todo inicio de saga, es una mera introducción. A eso, hay que añadir los continuos problemas con la directora Catherine Hardwicke (Los amos de Dogtown, Thirteen), hecho que ha provocado su relevo en la dirección para las secuelas y que en el film deja algo de desconcierto.
Cierto es que La comunidad del anillo era una introducción aún con más metraje, pero funcionaba porque su abanico de personajes era amplio y los unía una historia superior a ellos. En Crepúsculo la narración se reduce a la vida de la protagonista y su relación con Edward, donde no pasa nada reseñable hasta casi el final del film. Si bien en las grandes historias de amor narradas desde el punto de vista femenino, se argumenta y se trabaja el personaje femenino, en este caso se nos da hecho, y como mucho, se justifica a posteriori. Queda claro que el film es para jóvenes féminas capaces de caer rendidas a los pies de Pattison sin que éste abra la boca.
Con semejante panorama, es difícil entrar en la trama de Crepúsculo, buscarle algún interés a la espera que realmente pase algo, ya que la mitad del film se malgasta en buscar respuestas hasta descubrir (¡oh sorpresa!) que Edward es un vampiro. Ahí entra el juego el interés que mostró Hardwicke por las adolescentes en Thirteen, pero en este caso hace poco hincapié en las relaciones familiares de la protagonista. Más bien se centra en hacernos atractivas las inquietudes de una adolescente obsesionada con un chico.
El resto son sólo adornos, desde una dirección austera que desperdicia la belleza y la fuerza de la iconografía vampírica, a un reparto donde el sector joven luce más estética que talento y lo mejor lo encontramos en los secundarios, donde destaca el padre de Bella (Billy Burke). Por si fuera poco, la tan publicitada banda sonora se aleja de lo esperado y si Stephenie Meyer reconoce basar sus vampiros en Muse, éstos no dan señales de vida musical en el film.
Reconozco no haber leído los libros, hecho que ha llevado a que me hayan tenido que aclarar ciertas cosas que en el film no se explican. Obviamente no es un requisito leer el libro antes de ver el film, y sí un error dejar incoherencias que sí se explican en el libro. Y como adaptación que es Crepúsculo, ciertas escenas que en papel e imaginación debían ser magníficas, en celuloide rozan el ridículo, como el partido de béisbol o la subida al monte con la protagonista a cuestas.
En definitiva, sólo para amantes de los vampiros que no esperan nada nuevo y los seguidores de la saga escrita. Un producto de masas dirigido a un amplio sector de lectores, que se consume como la comida precocinada.
Lo mejor: La escena de presentación de Bella al resto de vampiros.
Lo peor: Como titulo la crítica, parece más hormonal que emocional la relación de los protagonistas.
El dato: Desde el cameo de Stephenie Meyer en la cafetería, a la contribución de Robert Pattison a la banda sonora sin él saberlo, con dos canciones suyas que tenía grabadas con su grupo.
Ya lo decía Makinavaja, que en un mundo sin ética, sólo nos queda la estética, y eso es Crepúsculo. Las novelas de Stephenie Meyer nacen a la sombra de Harry Potter y films como Blade o Underworld, donde el filón vampiros-jóvenes funciona económicamente. Sin embargo ha tardado 3 años en aparecer la versión cinematográfica, cuando la saga escrita ha vendido suficientes ejemplares (más de 17 millones) como para ser una apuesta segura en cuanto a la rentabilidad de una adaptación.
Bella Swan (Kristen Stewart) decide mudarse cuando su madre se echa nuevo novio y deciden mudarse de Phoenix a Florida. Con las maletas se planta en casa de su padre, dispuesta a comenzar una nueva vida en un nuevo instituto de una pueblo tan tranquilo como Forks. Tardará poco en encontrar un grupo de amigos, así como descubrir un grupo de chicos raros, aislado, tardando poco en buscar la compañía del soltero de dicho grupo.Todo cambiará cuando, recién iniciada su amistad, Edward Cullen (Robert Pattison) salve a Bella de morir aplastada por una furgoneta. Esa muestra sobrehumana llevará a Bella a intentar descubrir qué secreto esconde Edward, que no es otro que ser un vampiro con más de 80 años. La complicada relación entre un vampiro y una humana acarreará problema a Bella, Edward y el resto de vampiros que forman el grupo.
Crepúsculo no deja de ser un producto entretenido, pero que tiene dos problemas serios. El primero es que queda demasiado patente su sello, el público al que va dirigido y la intencionalidad. El segundo es que como todo inicio de saga, es una mera introducción. A eso, hay que añadir los continuos problemas con la directora Catherine Hardwicke (Los amos de Dogtown, Thirteen), hecho que ha provocado su relevo en la dirección para las secuelas y que en el film deja algo de desconcierto.
Cierto es que La comunidad del anillo era una introducción aún con más metraje, pero funcionaba porque su abanico de personajes era amplio y los unía una historia superior a ellos. En Crepúsculo la narración se reduce a la vida de la protagonista y su relación con Edward, donde no pasa nada reseñable hasta casi el final del film. Si bien en las grandes historias de amor narradas desde el punto de vista femenino, se argumenta y se trabaja el personaje femenino, en este caso se nos da hecho, y como mucho, se justifica a posteriori. Queda claro que el film es para jóvenes féminas capaces de caer rendidas a los pies de Pattison sin que éste abra la boca.
Con semejante panorama, es difícil entrar en la trama de Crepúsculo, buscarle algún interés a la espera que realmente pase algo, ya que la mitad del film se malgasta en buscar respuestas hasta descubrir (¡oh sorpresa!) que Edward es un vampiro. Ahí entra el juego el interés que mostró Hardwicke por las adolescentes en Thirteen, pero en este caso hace poco hincapié en las relaciones familiares de la protagonista. Más bien se centra en hacernos atractivas las inquietudes de una adolescente obsesionada con un chico.
El resto son sólo adornos, desde una dirección austera que desperdicia la belleza y la fuerza de la iconografía vampírica, a un reparto donde el sector joven luce más estética que talento y lo mejor lo encontramos en los secundarios, donde destaca el padre de Bella (Billy Burke). Por si fuera poco, la tan publicitada banda sonora se aleja de lo esperado y si Stephenie Meyer reconoce basar sus vampiros en Muse, éstos no dan señales de vida musical en el film.Reconozco no haber leído los libros, hecho que ha llevado a que me hayan tenido que aclarar ciertas cosas que en el film no se explican. Obviamente no es un requisito leer el libro antes de ver el film, y sí un error dejar incoherencias que sí se explican en el libro. Y como adaptación que es Crepúsculo, ciertas escenas que en papel e imaginación debían ser magníficas, en celuloide rozan el ridículo, como el partido de béisbol o la subida al monte con la protagonista a cuestas.
En definitiva, sólo para amantes de los vampiros que no esperan nada nuevo y los seguidores de la saga escrita. Un producto de masas dirigido a un amplio sector de lectores, que se consume como la comida precocinada.
Lo mejor: La escena de presentación de Bella al resto de vampiros.
Lo peor: Como titulo la crítica, parece más hormonal que emocional la relación de los protagonistas.
El dato: Desde el cameo de Stephenie Meyer en la cafetería, a la contribución de Robert Pattison a la banda sonora sin él saberlo, con dos canciones suyas que tenía grabadas con su grupo.
lunes 15 de diciembre de 2008
La imagen de la semana
Y la imagen de la semana es para...
Ups! Me he colado... es otra película de Keanu Reeves a la que me refería, en concreto Ultimátum a la Tierra, que con su renovado mensaje ecologista se corona como líder de la taquilla española. Con 2.265.069 euros recaudados supera a Crepúsculo, que en su segunda semana ha recaudado 1.692.314 euros y acumula un total de 7.144.977 euros.
Como ha dicho un amigo, malos tiempos para la lírica...
Ups! Me he colado... es otra película de Keanu Reeves a la que me refería, en concreto Ultimátum a la Tierra, que con su renovado mensaje ecologista se corona como líder de la taquilla española. Con 2.265.069 euros recaudados supera a Crepúsculo, que en su segunda semana ha recaudado 1.692.314 euros y acumula un total de 7.144.977 euros.Como ha dicho un amigo, malos tiempos para la lírica...
6 de Octubre de 2004
Ese día los espectadores americanos se disponían a ver el tercer episodio de una curiosa serie llamada Lost. Con el nombre de Tabula Rasa y después de un primer episodio dividido en dos partes, llegaba la hora de ver si Lost superaba el costoso arranque inicial, el episodio piloto más caro de la historia en su momento.
Asistimos al primer flashback, de Kate, donde vimos que era la dueña de las esposas del agente herido. Dicho episodio fue seguido de Walkabout, con el que definitivamente vimos que Lost era otra cosa, grande, increíble, adictiva, y que Locke era un Lázaro moderno con un papel vital. Pero antes, se dieron el lujo de cerrar Tabula Rasa así:
Asistimos al primer flashback, de Kate, donde vimos que era la dueña de las esposas del agente herido. Dicho episodio fue seguido de Walkabout, con el que definitivamente vimos que Lost era otra cosa, grande, increíble, adictiva, y que Locke era un Lázaro moderno con un papel vital. Pero antes, se dieron el lujo de cerrar Tabula Rasa así:
domingo 14 de diciembre de 2008
Grandes momentos del cine: Ed Wood
Con el eco vampírico en la cartelera, me ha venido a la cabeza (como no) la figura de Lugosi, e inmediatamente el film de Tim Burton. No se le puede pedir más a la escena, Depp, Landau interpretando a Lugosi, y Burton detrás de la cámara. Sólo queda decir "roll the camera!".
sábado 13 de diciembre de 2008
Quantum of Solace: Bond hace terapia a ostias
Jason Bourne, Jack Bauer, John Rambo, John McClane, grandes heroes de acción compartiendo inicial en el nombre de pila, curtidos en mil batallas, superando lo imposible. Bueno, no siempre, que sus buenos balazos se han llevado, cosa que los hace un poco más cercanos al espectador. Al otro lado del ring James Bond, que recibe sin inmutarse y parece enfrentarse a las organizaciones con peor entrenamiento de combate del mundo, con agentes que no aciertan a Bond ni a dos metros. Perdónenme, pero el cine de acción sin emoción tiene más de circo que de cine.
Y es que si Casino Royale nos presentaba a un nuevo Bond, sentando las bases de la nueva franquicia, ahora llega la hora de las tortas. El desenlace de la primera actúa de motor en Quantum of Solace, donde Bond actúa de ejecutor escudándose en su misión para un film con tan poca historia como sobredosis de ostias. Y es que todo exceso es malo, y en ésta ocasión el film se pasa de rosca con escenas de acción tan bien rodadas como inverosímiles, y se insiste hasta aburrir en el drama de Bond que vimos en Casino Royale.
Traicionado por Vesper, Bond (Daniel Craig) buscará a los responsables de su muerte no dejando títere con cabeza. En su búsqueda se cruzará con Camille (Olga Kurylenko) que le llevará hasta Dominic Greene (Mathieu Amalric), miembro de la organización que acabó con Vesper. A medio camino entre misión y venganza, Bond se las verá sin la ayuda de M (Judi Dench) para intentar desbaratar los planes de Greene, que promete derrocar el régimen existente en un país latinoamericano, cediendo al General el control del país a cambio de una porción de tierra aparentemente estéril.
Sin nadie en quien confiar, Bond se alía con sus viejos amigos en una batalla para desenmascarar la verdad. A medida que se acerca al hombre responsable de la traición de Vesper, 007 debe mantenerse un paso por delante de la CIA, de los terroristas e incluso de M para desenredar el siniestro plan de Greene y detener a su organización.
Marc Forster, responsable de films como Descubriendo Nunca Jamás, Monster´s Ball o Más extraño que la ficción, demuestra que con una buena historia es capaz de hacer un gran film, pero con el guión de Quantum of Solace debe haber recibido un post-it y no ha tenido mejor logro que filmar un conjunto sólido visualmente, pero excesivo y aburrido. El mérito del guión lo encontramos en el bioscarizado Paul Haggis y en Neal Purvis y Robert Wade, responsables de la anterior entrega.
Dicho trío nos brinda un guión de risa, cuya mayor virtud es encadenar una escena de acción con otra, ya que los intermedios se centran en ahondar torpe y reiterativamente en el drama amoroso de Bond. Vamos, que muere su chica y se hunde el mundo, pero muere su amigo y sólo le falta salir a celebrarlo.
Aplaudí la elección de Craig como Bond, y su lavado de cara en la nueva apuesta esperando que Quantum of Solace explotara lo que tenía de bueno Casino Royale. Pero lo que uno se encuentra es una falta de ideas escandalosa y una serie de superlativas escenas de acción que por espectaculares acaban siendo tan increíbles como largas. Pero oiga, ¿James Bond no se encarga de conspiraciones a nivel mundial y esas cosas? No, no, Quantum of Solace es la versión Bond de Gladiadores Americanos, con algo de historia para unir las escenas, a falta de presentador, que si por mi fuera, que hubieran metido a Lobato narrando las andanzas del agente "Magic" 007.
Algo que al menos salva, en parte, el film es el papel de Judi Dench, desbordada con el devenir de Bond y las infiltraciones en su agencia, sumado a la pasividad de las altas esferas compradas por tan misteriosa organización. Craig y Kurylenko hacen lo que saben hacer, sin más, mientras que Amalric no da la talla como villano. A destacar el absurdo papel de Gemma Aterton, tan breve como innecesario, el salvable de Giancarlo Giannini y la aparición de Fernando Guillén Cuervo.
En definitiva, Quantum of Solace es Jason Bourne con esteroides y RedBull, una versión bien rodada de Crank o una selección de las mejores escenas de una temporada de 24. El problema es que hoy día pedimos al cine de acción que trate con respeto al espectador y justifique dichas escenas, mientras que el nuevo Bond no hace otra cosa que jugar a la ruleta rusa solo, y sobrevivir.
Lo mejor: Espectacular es, no vamos a negarlo.
Lo peor: La escena del bar con Bond y Mathis, donde el combinado lo necesitaríamos nosotros.
El dato: Marc Foster quería Bruno Ganz para el papel de Greene, pero los productores ya habían firmado con Amalric.
Y es que si Casino Royale nos presentaba a un nuevo Bond, sentando las bases de la nueva franquicia, ahora llega la hora de las tortas. El desenlace de la primera actúa de motor en Quantum of Solace, donde Bond actúa de ejecutor escudándose en su misión para un film con tan poca historia como sobredosis de ostias. Y es que todo exceso es malo, y en ésta ocasión el film se pasa de rosca con escenas de acción tan bien rodadas como inverosímiles, y se insiste hasta aburrir en el drama de Bond que vimos en Casino Royale.
Traicionado por Vesper, Bond (Daniel Craig) buscará a los responsables de su muerte no dejando títere con cabeza. En su búsqueda se cruzará con Camille (Olga Kurylenko) que le llevará hasta Dominic Greene (Mathieu Amalric), miembro de la organización que acabó con Vesper. A medio camino entre misión y venganza, Bond se las verá sin la ayuda de M (Judi Dench) para intentar desbaratar los planes de Greene, que promete derrocar el régimen existente en un país latinoamericano, cediendo al General el control del país a cambio de una porción de tierra aparentemente estéril.Sin nadie en quien confiar, Bond se alía con sus viejos amigos en una batalla para desenmascarar la verdad. A medida que se acerca al hombre responsable de la traición de Vesper, 007 debe mantenerse un paso por delante de la CIA, de los terroristas e incluso de M para desenredar el siniestro plan de Greene y detener a su organización.
Marc Forster, responsable de films como Descubriendo Nunca Jamás, Monster´s Ball o Más extraño que la ficción, demuestra que con una buena historia es capaz de hacer un gran film, pero con el guión de Quantum of Solace debe haber recibido un post-it y no ha tenido mejor logro que filmar un conjunto sólido visualmente, pero excesivo y aburrido. El mérito del guión lo encontramos en el bioscarizado Paul Haggis y en Neal Purvis y Robert Wade, responsables de la anterior entrega.
Dicho trío nos brinda un guión de risa, cuya mayor virtud es encadenar una escena de acción con otra, ya que los intermedios se centran en ahondar torpe y reiterativamente en el drama amoroso de Bond. Vamos, que muere su chica y se hunde el mundo, pero muere su amigo y sólo le falta salir a celebrarlo.
Aplaudí la elección de Craig como Bond, y su lavado de cara en la nueva apuesta esperando que Quantum of Solace explotara lo que tenía de bueno Casino Royale. Pero lo que uno se encuentra es una falta de ideas escandalosa y una serie de superlativas escenas de acción que por espectaculares acaban siendo tan increíbles como largas. Pero oiga, ¿James Bond no se encarga de conspiraciones a nivel mundial y esas cosas? No, no, Quantum of Solace es la versión Bond de Gladiadores Americanos, con algo de historia para unir las escenas, a falta de presentador, que si por mi fuera, que hubieran metido a Lobato narrando las andanzas del agente "Magic" 007.
Algo que al menos salva, en parte, el film es el papel de Judi Dench, desbordada con el devenir de Bond y las infiltraciones en su agencia, sumado a la pasividad de las altas esferas compradas por tan misteriosa organización. Craig y Kurylenko hacen lo que saben hacer, sin más, mientras que Amalric no da la talla como villano. A destacar el absurdo papel de Gemma Aterton, tan breve como innecesario, el salvable de Giancarlo Giannini y la aparición de Fernando Guillén Cuervo.En definitiva, Quantum of Solace es Jason Bourne con esteroides y RedBull, una versión bien rodada de Crank o una selección de las mejores escenas de una temporada de 24. El problema es que hoy día pedimos al cine de acción que trate con respeto al espectador y justifique dichas escenas, mientras que el nuevo Bond no hace otra cosa que jugar a la ruleta rusa solo, y sobrevivir.
Lo mejor: Espectacular es, no vamos a negarlo.
Lo peor: La escena del bar con Bond y Mathis, donde el combinado lo necesitaríamos nosotros.
El dato: Marc Foster quería Bruno Ganz para el papel de Greene, pero los productores ya habían firmado con Amalric.
La recomendación del lector
Creo que en esta vida, la insistencia merece su recompensa, y hoy le ha llegado a uno de los lectores, porque la elegida no es otra que Colega, ¿Dónde está mi coche?. Lo siento, Mr. Lombreeze...
Agradeceros a todos las recomendaciones, así como a Tomás y Videodromo, que en otro post me recomendaron El secreto de la isla de las focas y City of Ember respectivamente. Esta vez he tenido que optar por la opción más cómoda, se la debo a Ángel por su insistencia, y ya llevo una serie de films interesantes como para permitirme este pequeño desliz.
¡1 saludo y gracias por vuestras recomendaciones!
Agradeceros a todos las recomendaciones, así como a Tomás y Videodromo, que en otro post me recomendaron El secreto de la isla de las focas y City of Ember respectivamente. Esta vez he tenido que optar por la opción más cómoda, se la debo a Ángel por su insistencia, y ya llevo una serie de films interesantes como para permitirme este pequeño desliz.¡1 saludo y gracias por vuestras recomendaciones!
viernes 12 de diciembre de 2008
Premio Symbelmine para LCM
¡Toma ya! Desde que gané un premio de poesía siendo un enano, por un poema a una taza del váter, que no ganaba nada! El insensato amabilísimo lector culpable de ello ha sido Machete, de GrindHouse y Los Criticonos, al que quedo eternamente agradecido por tenerme en consideración entre sus elegidos.
El premio se otorga como premio al esfuerzo, agradecimiento de los lectores, y como una manera más de estrechar lazos en este mundo de los blogs. Al recibir este premio se deben seguir las siguientes reglas:
1. Elegir 7 blogs o sitios de Internet que hayas decidido premiar también y enlazarlos en el post escrito.
2. Escribir un post mostrando el premio, citar el nombre del blog o web que te lo regala y notificar a tus elegidos con un comentario.
3. Opcional: Exhibir el Premio en tu blog.
Así que vamos con la lista de mis elegidos, que en éste caso ha sido fácil, ya que tanto Machete, QuesitoRosa y Mr.Lombreeze ya lo poseen, así que aunque lo merezcan más que yo, la idea es repartirlo.
1.- De entre las sombras: Porque Tomás escribe con una elegancia tremenda y ofrece una serie de críticas sobre films de alternativa actualidad, hecho que siempre me ayuda a descubrir pequeñas joyas, un cine redentor como bien dice él.
2.- El mundo de Ángel: Por su discurso sin complejos de Ángel, su variedad de temáticas y su inquietud por ampliar la oferta de su blog. Cada día hay algo nuevo en su mundo y cada día una discusión con él sobre algún film en que no coicidimos.
3.- Espejo Pintado: Por el afilado y contudente discurso de Mónica, y su visión sobre un cine del que conozco mi profunda ignorancia. Por su personalísimo estilo y porque sé que huye de elogios y premios.
4.- La Palabra de un Mentiroso: Por la valiente búsqueda de la verdad que tiene Javier, el rechazo que comparto con él a que se nos trate de tontos e ignorantes, así como su inquietud por la psicología. Un blog a contracorriente que no escatima en detallar por completo cada una de sus afirmaciones.
5.- No me llames cariño: Por ser un soplo de aire fresco entre tanta web. Silvia nos abre su rinconcito lleno de curiosidades, música, series, poemas, etc. Y además es fan de Lost y Dexter.
6.- Videodromo: Porque llamar "fenómeno" al amigo Alfie es quedarse corto. Porque su estilo es único, sus críticas todo un viaje, y su afán por hacer de su blog mucho más que ciberprensa escrita es muy meritorio.
7.- YourselfOrSomeoneLikeU: Porque Altatt necesita algo que le devuelva a la realidad antes de que enloquezca por completo. Y porque es un blog joven e imprescidible para los melómanos, una alternativa a toda esa música que los grandes medios ignoran.
Daros las gracias a todos, porque dicho premio es más mérito vuestro (¡sobretodo de Machete!) que mío. Gente como Regina, Homo Insanus, Metalia o el resto de habituales de LCM merecéis dicho premio igualmente, y no dudéis que si me cae otro a mí, enmendaré el desplante de hoy. Aunque para entonces ya habréis recibido muchos otros.
¡1 saludo y gracias por pasear por esta humilde calle!
El premio se otorga como premio al esfuerzo, agradecimiento de los lectores, y como una manera más de estrechar lazos en este mundo de los blogs. Al recibir este premio se deben seguir las siguientes reglas:1. Elegir 7 blogs o sitios de Internet que hayas decidido premiar también y enlazarlos en el post escrito.
2. Escribir un post mostrando el premio, citar el nombre del blog o web que te lo regala y notificar a tus elegidos con un comentario.
3. Opcional: Exhibir el Premio en tu blog.
Así que vamos con la lista de mis elegidos, que en éste caso ha sido fácil, ya que tanto Machete, QuesitoRosa y Mr.Lombreeze ya lo poseen, así que aunque lo merezcan más que yo, la idea es repartirlo.
1.- De entre las sombras: Porque Tomás escribe con una elegancia tremenda y ofrece una serie de críticas sobre films de alternativa actualidad, hecho que siempre me ayuda a descubrir pequeñas joyas, un cine redentor como bien dice él.
2.- El mundo de Ángel: Por su discurso sin complejos de Ángel, su variedad de temáticas y su inquietud por ampliar la oferta de su blog. Cada día hay algo nuevo en su mundo y cada día una discusión con él sobre algún film en que no coicidimos.
3.- Espejo Pintado: Por el afilado y contudente discurso de Mónica, y su visión sobre un cine del que conozco mi profunda ignorancia. Por su personalísimo estilo y porque sé que huye de elogios y premios.
4.- La Palabra de un Mentiroso: Por la valiente búsqueda de la verdad que tiene Javier, el rechazo que comparto con él a que se nos trate de tontos e ignorantes, así como su inquietud por la psicología. Un blog a contracorriente que no escatima en detallar por completo cada una de sus afirmaciones.
5.- No me llames cariño: Por ser un soplo de aire fresco entre tanta web. Silvia nos abre su rinconcito lleno de curiosidades, música, series, poemas, etc. Y además es fan de Lost y Dexter.
6.- Videodromo: Porque llamar "fenómeno" al amigo Alfie es quedarse corto. Porque su estilo es único, sus críticas todo un viaje, y su afán por hacer de su blog mucho más que ciberprensa escrita es muy meritorio.
7.- YourselfOrSomeoneLikeU: Porque Altatt necesita algo que le devuelva a la realidad antes de que enloquezca por completo. Y porque es un blog joven e imprescidible para los melómanos, una alternativa a toda esa música que los grandes medios ignoran.
Daros las gracias a todos, porque dicho premio es más mérito vuestro (¡sobretodo de Machete!) que mío. Gente como Regina, Homo Insanus, Metalia o el resto de habituales de LCM merecéis dicho premio igualmente, y no dudéis que si me cae otro a mí, enmendaré el desplante de hoy. Aunque para entonces ya habréis recibido muchos otros.
¡1 saludo y gracias por pasear por esta humilde calle!
La recomendación de la semana: Master & Commander
Sí, habéis leído bien, me encantó. Russel Crowe cuando aún podía calzarse las botas de gladiador, un Paul Bettany que apuntaba alto, y hasta la fecha, la última película de Peter Weir. Una aventura naval de la mano del director de joyas como La costa de los mosquitos o Único testigo.
jueves 11 de diciembre de 2008
La carrera a los Oscar
Se acaba el 2008 y comienzan a salir premios y nominaciones de todos sitios. Sin ir más lejos, ya tenemos las nominaciones a los Globos de Oro, donde tenemos a dos españoles gracias a Allen. Lo siento por quienes creían que El Caballero Oscuro era el film del año y arrasaría, porque no lo está siendo, ni lo será en los Oscar. Los nominados a los globos de oro son:
Mejor película (drama)
- The Curious Case of Benjamin Button
- Frost/Nixon
- The Reader
- Revolutionary Road
- Slumdog Millionaire
Mejor película (comedia o musical)
- Burn After Reading (Quemar después de leer)
- In Bruges (Escondidos en Brujas)
- Happy-Go-Lucky
- Mamma Mia!
- Vicky Cristina Barcelona
Mejor director
- Danny Boyle – Slumdog Millionaire
- Steven Daldry – The Reader
- David Fincher – The Curious Case of Benjamin Button
- Ron Howard – Frost/Nixon
- Sam Mendes – Revolutionary Road
Mejor actor (drama)
- Leonardo DiCaprio – Revolutionary Road
- Frank Langella – Frost/Nixon
- Sean Penn – Milk
- Brad Pitt – The Curious Case of Benjamin Button
- Mickey Rourke – The Wrestler
Mejor actriz (drama)
- Anne Hathaway – Rachel Getting Married (La boda de Rachel)
- Angelina Jolie – Changeling (El intercambio)
- Meryl Streep – Doubt (Duda)
- Kristin Scott Thomas – I´ve Loved You So Long
- Kate Winslet – Revolutionary Road
Mejor actor (comedia o musical)
- Javier Bardem – Vicky Cristina Barcelona
- Colin Farrell – In Bruges
- James Franco – Pineapple Express (Superfumados)
- Brendan Gleeson – In Bruges
- Dustin Hoffman – Last Chance Harvey
Mejor actriz (comedia o musical)
- Rebecca Hall – Vicky Cristina Barcelona
- Sally Hawkins – Happy-Go-Lucky
- Frances McDormand – Burn After Reading
- Meryl Streep – Mamma Mia!
- Emma Thompson – Last Chance Harvey
Mejor actor de reparto
- Tom Cruise – Tropic Thunder
- Robert Downey Jr. – Tropic Thunder
- Ralph Fiennes – The Duchess
- Philip Seymour Hoffman – Doubt
- Heath Ledger – The Dark Knight
Mejor actriz de reparto
- Amy Adams – Doubt
- Penélope Cruz – Vicky Cristina Barcelona
- Viola Davis – Doubt
- Marisa Tomei – The Wrestler
- Kate Winslet – The Reader
Mejor guión
- Simon Beaufoy – Slumdog Millionaire
- David Hare – The Reader
- Peter Morgan – Frost/Nixon
- Eric Roth – The Curious Case of Benjamin Button
- John Patrick Shanley – Doubt
Mejor canción original
- “Down to Earth” – WALL·E
- “Gran Torino” – Gran Torino
- “I Thought I Lost You” – Bolt
- “Once in a Lifetime” – Cadillac Records
- “The Wrestler” – The Wrestler
Mejor banda sonora
- Defiance (Resistencia)
- The Curious Case of Benjamin Button
- Slumdog Millionaire
- Frost/Nixon
- Changeling
Mejor película de animación
- Bolt
- Kung Fu Panda
- Wall-E
Mejor película extranjera
- The Baader Meinhof Complex (El complejo Baader-Meinhof)
- Gomorrah (Gomorra)
- I´ve Loved You So Long (Hace mucho que te quiero)
- Waltz with Bashir (Vals con Bashir)
Cosas a destacar, aparte de la única nominación a El Caballero Oscuro para Heath Ledger, serían la ausencia de Changeling como mejor drama o Tropic Thunder en mejor comedia. En su puesto encontramos Mamma Mia! y multitud de nominaciones para el último film de Allen, Vicky Cristina Barcelona, que acumula 4 nominaciones, las mismas que Revolutionary Road y The Reader, sólo superadas por las 5 de El curioso caso de Benjamin Button.Film como Milk o The Wrestler quedan relegados a un segundo puesto pese a haber figurado en todas las quinielas desde el principio. Destacar la grata presencia de Escondidos en Brujas, con nominaciones a sus dos actores y a mejor comedia. Una pena que no hayan nominado como mejor banda sonora la de Wall·E, justo cuando al film de Pixar lo han premiado como mejor film del año Los Angeles Film Critics, siendo el primero animado en ganarlo.
Dicha asociación ha premiado también a Danny Boyle como mejor director por Slumdog Millionaire, Heath Ledger como secundario y Sean Penn como protagonista por Milk. Y como complemento a esa lista, surge la de los ganadores del Círculo de Críticos de Nueva York, donde la clara vencedora ha sido Milk, el film de Gus Van Sant con un Sean Penn que apunta al Oscar. Aquí tenéis los ganadores:
Mejor Película: Milk
Mejor Director: Mike Leigh, Happy-Go-Lucky
Mejor Actor: Sean Penn, Milk
Mejor Actriz: Sally Hawkins, Happy-Go-Lucky
Mejor Actor de Reparto: Josh Brolin, Milk
Mejor Actriz de Reparto: Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
Mejor Guión: Jenny Lumet, Rachel Getting Married
Mejor Fotografía: Anthony Dod Mantle, Slumdog Millionaire
Mejor Film de Animación: Wall-E
Mejor Debut: Courtney Hunt, Frozen River
Mejor Film Extranjero: 4 Months, 3 Weeks and 2 Days
Mejor Documental: Man on Wire
No puedo opinar sobre Milk porque no la he visto, pero me parece exagerado premiar a Leigh por Happy-Go-Lucky, la verdad. Y Penélope ya va recogiendo premios que la afianzan de cara a una posible nominación como secundaria en los Oscar.Y como es jueves, no os puedo dejar sin una lista, morgueros. En éste caso os traigo las 10 mejores películas de 2008 según la revista TIME, donde reina en el primer puesto el robotito de mis amores, y en la que el único superhéroe que tiene presencia se llama Tony Stark. En ella tiene presencia la ópera prima de ese genio llamado Charlie Kauffman, pero no el film de Aronofsky, y se incluye ese bodrio llamado Speed Racer. Ésta es la lista de la revista TIME:
1. WALL-E
2. Synecdoche, New York
3. My Winnipeg
4. 4 Months, 3 Weeks & 2 Days
5. Milk
6. The Curious Case of Benjamin Button
7. Slumdog Millionaire
8. Iron Man
9. Speed Racer
10. Encounters at the End of the World.
Bueno morgueros, cada uno tendrá sus favoritas, pero se acercan las vacaciones de navidad y estas listas ayudan a ir marcando films para un seguro visionado que alimente el alma y nos cobije del frío.¡1 saludo!
Fuentes: Blogdecine y SlashFilm
Red de Mentiras: Scott busca gustar sin gustarse
Ridley Scott ha empezado siglo y milenio con un ritmo alleniano. Desde el año 2000 hasta hoy ha estrenado 8 films, de los cuales algunos son joyas, otros hijos de la mediocridad, uno le ha dado el Oscar y la gran mayoría dinero para las arcas. Está claro que semejante ritmo no ayuda al resurgir del Scott creador de obras maestras, y lo que es peor, está perdiendo identidad en sus productos.
En su nueva aventura se apunta a la corriente de films relacionados con el terrorismo y las agencias de investigación estadounidenses, de los que hemos tenido sobredosis estos últimos años. Para ello dispone de dos de los actores que más público aglutinan en las salas y una propuesta realizada con oficio, pero sin pasión. No es justo pedir a Scott una obra maestra en cada entrega, pero tampoco lo es conformarnos con un producto que meramente entretiene.
Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) es un agente encubierto de la C.I.A. que se encuentra tras la pista del responsable de una serie de atentados en suelo occidental. Vive en permanente contacto con su enlace en Langley y jefe, Ed Hoffman (Russell Crowe), que dirige las operaciones mientras realiza sus labores familiares. Serán varias las situaciones en que no estarán de acuerdo y su relación se deteriore mientras los atentados se suceden.
Tras encontrar una pista fiable que pueda llevarles hasta Al-Saleem (Alon Abutbul), acuden al jefe de la inteligencia jordana, Hani Salaam (Mark Strong), cuyos métodos difieren por completo de los de Hoffman y provoca la desconfianza mutua en ambos bandos. En dicho escenario se cruzará Aisha (Golshifteh Farahani) entre Ferris y su misión para finalmente verse involucrada.
Se agradece a Scott la simpleza de su apuesta, y su linealidad, con dos partes bien diferenciadas donde la segunda amplía lo expuesto en la primera. Los roles de los protagonistas quedan muy marcados desde el principio y carentes de una evolución, y el conjunto resulta fácilmente digerible, acercándolo más al entretenimiento que a cualquier intento de lanzar algún tipo de mensaje sobre su temática.
No se puede negar la pericia de Scott tras la cámara, ofreciendo un producto a su altura en lo visual, pero carente de sello. Así como American Gangster tiene garra e identidad, Red de mentiras sufre de la desgana del director. Obviamente hablamos de Ridley Scott, y eso la incluye perfectamente entre los 20 mejores films del año, pero está muy por debajo de lo que podemos exigir al director británico.
A nivel interpretativo encontramos lo más sobresaliente, con un papel de DiCaprio más que notable, convincente, pero siempre ensombrecido por ese titán llamado Russell Crowe. Las escenas entre ambos se suceden, contrastando la situación del agente de campo, con el burócrata que decide mientras deja a sus hijos en el colegio o les acompaña al retrete. No deja de ser demasiado obvio, pero no desentona con la complejidad de la propuesta. A destacar también el papel de Mark Strong, cada vez más solicitado, con una excelente caracterización y un trabajo sobresaliente.
Los 128 minutos de Red de Mentiras pasan rápido, ágilmente, atascándose solo en el romance del protagonista, que de inexplicado resulta innecesario. El resto está bien narrado, bien rodado y bien interpretado, con varias escenas impactantes, mérito también del habitual montador de Scott (Pietro Scalia) y de un debutante en una gran producción como es Alexander Witt en la dirección de fotografía. Red de mentiras es notable a nivel técnico, pero coja en garra y profundidad.
En definitiva, una de las mejores opciones para la cartelera, pero como mero entretenimiento. Un film que cualquiera podría rodar suponiéndole un éxito, pero Scott lo hace sin despeinarse. Red de mentiras entra por los ojos, se ha digerido al salir de la sala y el único recuerdo que deja es el del buen rato que hace pasar.
Lo mejor: Sin duda, la vuelta de Axl Rose a la música poniendo los acordes finales del film.
Lo peor: El clímax final carece de emoción.
El dato: Carice Van Houten interpretaba a la mujer de Ferris, pero se eliminó por completo del metraje final.
En su nueva aventura se apunta a la corriente de films relacionados con el terrorismo y las agencias de investigación estadounidenses, de los que hemos tenido sobredosis estos últimos años. Para ello dispone de dos de los actores que más público aglutinan en las salas y una propuesta realizada con oficio, pero sin pasión. No es justo pedir a Scott una obra maestra en cada entrega, pero tampoco lo es conformarnos con un producto que meramente entretiene.
Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) es un agente encubierto de la C.I.A. que se encuentra tras la pista del responsable de una serie de atentados en suelo occidental. Vive en permanente contacto con su enlace en Langley y jefe, Ed Hoffman (Russell Crowe), que dirige las operaciones mientras realiza sus labores familiares. Serán varias las situaciones en que no estarán de acuerdo y su relación se deteriore mientras los atentados se suceden.Tras encontrar una pista fiable que pueda llevarles hasta Al-Saleem (Alon Abutbul), acuden al jefe de la inteligencia jordana, Hani Salaam (Mark Strong), cuyos métodos difieren por completo de los de Hoffman y provoca la desconfianza mutua en ambos bandos. En dicho escenario se cruzará Aisha (Golshifteh Farahani) entre Ferris y su misión para finalmente verse involucrada.
Se agradece a Scott la simpleza de su apuesta, y su linealidad, con dos partes bien diferenciadas donde la segunda amplía lo expuesto en la primera. Los roles de los protagonistas quedan muy marcados desde el principio y carentes de una evolución, y el conjunto resulta fácilmente digerible, acercándolo más al entretenimiento que a cualquier intento de lanzar algún tipo de mensaje sobre su temática.
No se puede negar la pericia de Scott tras la cámara, ofreciendo un producto a su altura en lo visual, pero carente de sello. Así como American Gangster tiene garra e identidad, Red de mentiras sufre de la desgana del director. Obviamente hablamos de Ridley Scott, y eso la incluye perfectamente entre los 20 mejores films del año, pero está muy por debajo de lo que podemos exigir al director británico.
A nivel interpretativo encontramos lo más sobresaliente, con un papel de DiCaprio más que notable, convincente, pero siempre ensombrecido por ese titán llamado Russell Crowe. Las escenas entre ambos se suceden, contrastando la situación del agente de campo, con el burócrata que decide mientras deja a sus hijos en el colegio o les acompaña al retrete. No deja de ser demasiado obvio, pero no desentona con la complejidad de la propuesta. A destacar también el papel de Mark Strong, cada vez más solicitado, con una excelente caracterización y un trabajo sobresaliente.
Los 128 minutos de Red de Mentiras pasan rápido, ágilmente, atascándose solo en el romance del protagonista, que de inexplicado resulta innecesario. El resto está bien narrado, bien rodado y bien interpretado, con varias escenas impactantes, mérito también del habitual montador de Scott (Pietro Scalia) y de un debutante en una gran producción como es Alexander Witt en la dirección de fotografía. Red de mentiras es notable a nivel técnico, pero coja en garra y profundidad.En definitiva, una de las mejores opciones para la cartelera, pero como mero entretenimiento. Un film que cualquiera podría rodar suponiéndole un éxito, pero Scott lo hace sin despeinarse. Red de mentiras entra por los ojos, se ha digerido al salir de la sala y el único recuerdo que deja es el del buen rato que hace pasar.
Lo mejor: Sin duda, la vuelta de Axl Rose a la música poniendo los acordes finales del film.
Lo peor: El clímax final carece de emoción.
El dato: Carice Van Houten interpretaba a la mujer de Ferris, pero se eliminó por completo del metraje final.
miércoles 10 de diciembre de 2008
Grandes bandas sonoras: Éxodo
Grandiosa composición con la que Ernest Gold cosechó varios premios, entre ellos, el Oscar de la Academia. Éxodo fue dirigida por Otto Preminger y protagonizada por Paul Newman y Eva Marie Saint.
martes 9 de diciembre de 2008
El talento de Metallica
Casualidades de la vida, después de ver Sucesos en la 4º fase, y poneros un tráiler de una joya del cine de ciencia-ficción de serie B, Metallica estrena su nuevo video con una temática también muy de serie B. Zombies y un punto de partida que me recuerda a La amenaza de Andrómeda, hay que verlo.
Sucesos en la 4ª Fase: El día que dejamos de ser únicos
Siempre se ha especulado con cómo sería el primer contacto con una inteligencia superior, partiendo de la base que dicha inteligencia vendrá del exterior. Pero, ¿y si esa inteligencia surgiera de nuestro propio planeta? ¿Y si una especie evolucionara como nosotros y desarrollara una inteligencia primitiva? ¿Cuáles serían sus intenciones y cuál sería nuestra reacción?
Y esa es la propuesta de Saul Bass, mítico creador de títulos de crédito, en su única incursión en la dirección. Para ello adapta el guión de Mayo Simon y nos presenta un film a medio camino entre la serie B y el documental. La apuesta es sencilla, las hormigas desarrollan inteligencia y su bien organizada sociedad planta cara a los humanos. A partir de aquí, claustrofobia y dos científicos entre la lucha y el intento de comunicación con la nueva inteligencia.
El brusco cambio en el comportamiento en una comunidad de hormigas alerta a los científicos, que se trasladan al lugar para investigar. Ante la agresividad de éstas, y la imprevisibilidad (o inteligencia) de sus actos, deciden alertar a la población para que abandonen el lugar, quedando allí sólo dos científicos, James (Michael Murphy) y Ernest (Nigel Davenport).
Una pequeña familia de granjeros acatará tarde las órdenes y su huida hacia el bunker de los protagonistas coincidirá con el primer ataque de las hormigas a la nueva estación. Los insectos harán que su primer ataque deje sin suministro eléctrico a la estación y los científicos responderán con una lluvia tóxica de la que también serán víctima los granjeros, sobreviviendo sólo la más joven del grupo, Kendra (Lynne Frederick). Encerrados, tendrán que hacer frente al asedio mientras buscan la manera de comunicarse con ellas.
Por mítica que sea la carrera de Saul Bass, su debut como director obliga a hacer borrón y cuenta nueva sin tener en cuenta su trayectoria. E igualmente se antoja difícil valorar su trabajo por lo experimental de éste, aunque finalmente satisfactorio. Aunque suene extraño, Saul Bass se propuso hacer actuar a las hormigas, y el resultado acaba siendo excepcional, donde los insectos actúan como anónimos protagonistas cuyos actos tiene un significado y, en ocasiones, poético.
Por poner un ejemplo, podemos ver a las hormigas ordenando en filas los cadáveres de las caídas en combate, a modo de funeral. Ese es el arma de doble filo del film, ya que si no fuera por la frialdad y lo cerebral de la propuesta, la cuota de pantalla para las hormigas se antojaría excesiva, caprichosa y, en ocasiones, risible.
Mientras vemos como los tres protagonistas son incapaces de sostener la situación, como una pequeña sociedad se derrumba por intereses personales y miedos, las hormigas representan el contraste. Una sociedad perfectamente organizada donde una obediencia ciega añadida a una inteligencia las convierte en superiores, donde cabe destacar la escena donde los insectos transportan un pedazo de la sustancia amarilla usada para acabar con ellas.
Los protagonistas cumplen correctamente con su labor, pese a la esterilizada puesta en escena. No requiere más empeño su labor cuando el esfuerzo de Saul Bass se vuelca en el rodaje de las escenas con hormigas, el plato fuerte del film. El resto de escenas se centran más en la experimentación y la búsqueda de una simbología que de elegancia a la cinta, como la escena de las torres de arena o la icónica imagen de la mano agujereada.
Siempre adscritos a la serie B, y con un tono eminentemente experimental, Bass y Mayo consiguen llevar a buen puerto su mensaje y sorprendernos con un guión muy preciso, donde en contadísimas ocasiones tendremos la sensación que no se nos está contando nada. Todo ello en 84 minutos muy bien medidos y con un reparto equitativo entre ambos bandos, dónde sólo podemos achacar falta de ritmo en su arranque que compensa lo claustrofóbico del resto de metraje.
En definitiva, una pequeña joya de obligatorio visionado para los amantes de la ciencia-ficción. 34 años cuenta a sus espaldas el film, y resulta sorprendente la intencionalidad de Saul Bass en las escenas con hormigas, tratadas como si de un personaje más se trataran. Tremendamente inteligente y la altura de cualquiera de las obras maestras del género, y con un mensaje que sigue teniendo la misma vigencia hoy día.
Lo mejor: Las escenas con hormigas.
Lo peor: Lo experimental de la propuesta puede no hacerla digerible a todo el mundo.
El dato: Uno de los valores añadidos del film, es el trabajo de Saul Bass con colores y texturas, de los que aquí tenéis una muestra.
Y esa es la propuesta de Saul Bass, mítico creador de títulos de crédito, en su única incursión en la dirección. Para ello adapta el guión de Mayo Simon y nos presenta un film a medio camino entre la serie B y el documental. La apuesta es sencilla, las hormigas desarrollan inteligencia y su bien organizada sociedad planta cara a los humanos. A partir de aquí, claustrofobia y dos científicos entre la lucha y el intento de comunicación con la nueva inteligencia.
El brusco cambio en el comportamiento en una comunidad de hormigas alerta a los científicos, que se trasladan al lugar para investigar. Ante la agresividad de éstas, y la imprevisibilidad (o inteligencia) de sus actos, deciden alertar a la población para que abandonen el lugar, quedando allí sólo dos científicos, James (Michael Murphy) y Ernest (Nigel Davenport).Una pequeña familia de granjeros acatará tarde las órdenes y su huida hacia el bunker de los protagonistas coincidirá con el primer ataque de las hormigas a la nueva estación. Los insectos harán que su primer ataque deje sin suministro eléctrico a la estación y los científicos responderán con una lluvia tóxica de la que también serán víctima los granjeros, sobreviviendo sólo la más joven del grupo, Kendra (Lynne Frederick). Encerrados, tendrán que hacer frente al asedio mientras buscan la manera de comunicarse con ellas.
Por mítica que sea la carrera de Saul Bass, su debut como director obliga a hacer borrón y cuenta nueva sin tener en cuenta su trayectoria. E igualmente se antoja difícil valorar su trabajo por lo experimental de éste, aunque finalmente satisfactorio. Aunque suene extraño, Saul Bass se propuso hacer actuar a las hormigas, y el resultado acaba siendo excepcional, donde los insectos actúan como anónimos protagonistas cuyos actos tiene un significado y, en ocasiones, poético.
Por poner un ejemplo, podemos ver a las hormigas ordenando en filas los cadáveres de las caídas en combate, a modo de funeral. Ese es el arma de doble filo del film, ya que si no fuera por la frialdad y lo cerebral de la propuesta, la cuota de pantalla para las hormigas se antojaría excesiva, caprichosa y, en ocasiones, risible.
Mientras vemos como los tres protagonistas son incapaces de sostener la situación, como una pequeña sociedad se derrumba por intereses personales y miedos, las hormigas representan el contraste. Una sociedad perfectamente organizada donde una obediencia ciega añadida a una inteligencia las convierte en superiores, donde cabe destacar la escena donde los insectos transportan un pedazo de la sustancia amarilla usada para acabar con ellas.Los protagonistas cumplen correctamente con su labor, pese a la esterilizada puesta en escena. No requiere más empeño su labor cuando el esfuerzo de Saul Bass se vuelca en el rodaje de las escenas con hormigas, el plato fuerte del film. El resto de escenas se centran más en la experimentación y la búsqueda de una simbología que de elegancia a la cinta, como la escena de las torres de arena o la icónica imagen de la mano agujereada.
Siempre adscritos a la serie B, y con un tono eminentemente experimental, Bass y Mayo consiguen llevar a buen puerto su mensaje y sorprendernos con un guión muy preciso, donde en contadísimas ocasiones tendremos la sensación que no se nos está contando nada. Todo ello en 84 minutos muy bien medidos y con un reparto equitativo entre ambos bandos, dónde sólo podemos achacar falta de ritmo en su arranque que compensa lo claustrofóbico del resto de metraje.En definitiva, una pequeña joya de obligatorio visionado para los amantes de la ciencia-ficción. 34 años cuenta a sus espaldas el film, y resulta sorprendente la intencionalidad de Saul Bass en las escenas con hormigas, tratadas como si de un personaje más se trataran. Tremendamente inteligente y la altura de cualquiera de las obras maestras del género, y con un mensaje que sigue teniendo la misma vigencia hoy día.
Lo mejor: Las escenas con hormigas.
Lo peor: Lo experimental de la propuesta puede no hacerla digerible a todo el mundo.
El dato: Uno de los valores añadidos del film, es el trabajo de Saul Bass con colores y texturas, de los que aquí tenéis una muestra.
lunes 8 de diciembre de 2008
Novedades del pasado
Teniendo en cuenta el estado de la cartelera, y mi afición a pequeñas joyas del pasado, inauguro sección protagonizada por tráilers de películas antiguas que vale la pena descubrir o revisionar. En éste caso un film del que tengo un vago recuerdo y no veo el momento de poder verlo de nuevo. Morgueros, bienvenidos a 1954 y prepárense para la propuesta de Gordon Douglas y su cinta La humanidad en peligro.
La imagen de la semana
Pues ya tenemos fotos de lo que será el nuevo film de Woody Allen, Whatever Works. El film será una comedia romántica en la que veremos un madurito Larry David enamorarse de una jovencita Evan Rachel Wood. El genio ha vuelto a Nueva York para dicho rodaje, abandonando su periplo europeo.
Fuente: Las Horas Perdidas
Fuente: Las Horas Perdidasdomingo 7 de diciembre de 2008
Grandes momentos del cine: Gilda
Una escena tan breve como mítica, en estos tiempos en que más que olvidarse los clásicos, se ignoran. Margarita Carmen Cansino Adorna y su célebre presentación en Gilda.
sábado 6 de diciembre de 2008
La recomendación del lector
Habiendo cumplido con la correspondiente reseña para la recomendación de Mónica, nos sumergimos en la sexta entrega de la recomendación del lector. Sé que os sobran buenos títulos para recomendarme, asi que...
¡Alimentadme, morgueros!
¡Alimentadme, morgueros!
¿Dónde está la casa de mi amigo?: Cuando el mundo es grande e intrascendente
"Todos los hombres nacemos iguales, pero es la última vez que lo somos" decía Lincoln. Él hacía referencia a los derechos y yo a la infancia, ese lugar común que todos hemos habitado, mirando el mundo desde abajo, felizmente ignorantes. La mirada de un infante siempre es algo capaz de conmovernos, de transportarnos, de librarnos momentáneamente de ese concepto tan sobrevalorado llamado madurez.
Abbas Kiarostami (que dirige y firma el guión) nos propone una mirada infantil al mundo adulto, lo contrario a lo que el cine occidental nos tiene acostumbrados. ¿Dónde está la casa de mi amigo? rebosa sencillez, realismo e inocencia, en una historia donde el mundo adulto vive sujeto a una cotidianidad intrascendente, mientras que el mundo de Ahmed se llena de preocupaciones y asuntos más importantes que ir a comprar el pan. Que a tu mejor amigo lo expulsen del colegio es algo muy serio.
Ahmed (Babek Ahmed Poor) y Nematzadeh (Ahmed Ahmed Poor) son dos jóvenes amigos y asisten juntos a clase, donde imparte un estricto profesor (Kheda Barech Defai). Cuando Nematzadeh se presenta a clase por segunda sin los deberes hechos, el profesor lo amenaza con que a la tercera será expulsado del colegio. Sin darle más importancia, los dos volverán jugando a casa, donde a Ahmed le espera la rutina de ayudar a su madre y hacer los deberes antes de poder jugar con sus amigos.
Ahmed se dará cuenta que, por accidente, tiene el cuaderno de Nematzadeh y debe entregárselo a tiempo para que no le expulsen del colegio. Así comenzará su viaje para devolver el cuaderno a su amigo, donde hará frente a las responsabilidades con sus mayores y al desconocimiento de la ubicación del hogar de su amigo.
Uno no puede evitar recordar ciertos films mientras ve ¿Dónde está la casa de mi amigo?. Desde el recuerdo de Antonio buscando su bicicleta por toda la ciudad en la cinta de De Sica, hasta El verano de Kikujiro (profesor y Kitano comparten voz en la versión doblada), pasando por Las tortugas también vuelan o la misma estructura que usó Lynch en Una historia verdadera, donde el viaje es más importante que el destino.
Pero la magia del film de Kiarostami reside en su sencillez, de la cual brotan poco a poco los matices y donde contadas son las ocasiones en que no vemos el mundo adulto desde los ojos de Ahmed. Incluso la cámara trabaja a la altura de tan jóvenes protagonistas, mostrando numerosas veces cuerpos anónimos que interactúan con el joven. Desde esa óptica vemos lo liviano que resulta cualquier otro avatar que no sea evitar la expulsión de Nematzadeh, con la incomunicación de sus mayores como hija de la disciplina.
80 minutos le bastan al director para lanzar un mensaje sencillo, sin ánimo de engrosarlo o cargarlo de profundidad, sino simplemente de decorarlo plano a plano, de darle matices y conseguir hacernos cómplices de la bondad y la causa del protagonista. Así nos presenta una poética libre de fanfarria, donde a base de pinceladas se construye la historia de un niño adulto a caballo entre dos mundos y a pie entre dos pueblos.
El cine de Kiarostami es natural, realista, y como tal, lo son sus intérpretes, donde a la mayor parte de ellos no podemos verle la cara. Tampoco les requiere a éstos un gran trabajo para resultar convincentes, pero obviamente el peso recae sobre el protagonista. Babek Ahmed Poor nos regala una gran interpretación, donde su palabrería llega a cansar pero su mirada logra transmitir la ansiedad al espectador. Kiarostami consigue que un niño haga de niño, cosa que no resulta fácil.
En definitiva, un film interesante y emotivo, una mirada al cine iraní con una historia ligera y breve, que nos propone un humilde paseo por la vida de un niño y sus preocupaciones. Una gran demostración de que, lejos del artificio y la aparatosidad visual, se pueden construir historias cercanas con la elegancia de lo cotidiano y el sabor de la inocencia.
Lo mejor: Su duración y protagonista.
Lo peor: Para ser un film meramente visual, la conversación entre el abuelo de Ahmed y su amigo excede en duración.
El dato: Ambos amigos son hermanos en la vida real.
Abbas Kiarostami (que dirige y firma el guión) nos propone una mirada infantil al mundo adulto, lo contrario a lo que el cine occidental nos tiene acostumbrados. ¿Dónde está la casa de mi amigo? rebosa sencillez, realismo e inocencia, en una historia donde el mundo adulto vive sujeto a una cotidianidad intrascendente, mientras que el mundo de Ahmed se llena de preocupaciones y asuntos más importantes que ir a comprar el pan. Que a tu mejor amigo lo expulsen del colegio es algo muy serio.
Ahmed (Babek Ahmed Poor) y Nematzadeh (Ahmed Ahmed Poor) son dos jóvenes amigos y asisten juntos a clase, donde imparte un estricto profesor (Kheda Barech Defai). Cuando Nematzadeh se presenta a clase por segunda sin los deberes hechos, el profesor lo amenaza con que a la tercera será expulsado del colegio. Sin darle más importancia, los dos volverán jugando a casa, donde a Ahmed le espera la rutina de ayudar a su madre y hacer los deberes antes de poder jugar con sus amigos.Ahmed se dará cuenta que, por accidente, tiene el cuaderno de Nematzadeh y debe entregárselo a tiempo para que no le expulsen del colegio. Así comenzará su viaje para devolver el cuaderno a su amigo, donde hará frente a las responsabilidades con sus mayores y al desconocimiento de la ubicación del hogar de su amigo.
Uno no puede evitar recordar ciertos films mientras ve ¿Dónde está la casa de mi amigo?. Desde el recuerdo de Antonio buscando su bicicleta por toda la ciudad en la cinta de De Sica, hasta El verano de Kikujiro (profesor y Kitano comparten voz en la versión doblada), pasando por Las tortugas también vuelan o la misma estructura que usó Lynch en Una historia verdadera, donde el viaje es más importante que el destino.
Pero la magia del film de Kiarostami reside en su sencillez, de la cual brotan poco a poco los matices y donde contadas son las ocasiones en que no vemos el mundo adulto desde los ojos de Ahmed. Incluso la cámara trabaja a la altura de tan jóvenes protagonistas, mostrando numerosas veces cuerpos anónimos que interactúan con el joven. Desde esa óptica vemos lo liviano que resulta cualquier otro avatar que no sea evitar la expulsión de Nematzadeh, con la incomunicación de sus mayores como hija de la disciplina.
80 minutos le bastan al director para lanzar un mensaje sencillo, sin ánimo de engrosarlo o cargarlo de profundidad, sino simplemente de decorarlo plano a plano, de darle matices y conseguir hacernos cómplices de la bondad y la causa del protagonista. Así nos presenta una poética libre de fanfarria, donde a base de pinceladas se construye la historia de un niño adulto a caballo entre dos mundos y a pie entre dos pueblos.
El cine de Kiarostami es natural, realista, y como tal, lo son sus intérpretes, donde a la mayor parte de ellos no podemos verle la cara. Tampoco les requiere a éstos un gran trabajo para resultar convincentes, pero obviamente el peso recae sobre el protagonista. Babek Ahmed Poor nos regala una gran interpretación, donde su palabrería llega a cansar pero su mirada logra transmitir la ansiedad al espectador. Kiarostami consigue que un niño haga de niño, cosa que no resulta fácil.En definitiva, un film interesante y emotivo, una mirada al cine iraní con una historia ligera y breve, que nos propone un humilde paseo por la vida de un niño y sus preocupaciones. Una gran demostración de que, lejos del artificio y la aparatosidad visual, se pueden construir historias cercanas con la elegancia de lo cotidiano y el sabor de la inocencia.
Lo mejor: Su duración y protagonista.
Lo peor: Para ser un film meramente visual, la conversación entre el abuelo de Ahmed y su amigo excede en duración.
El dato: Ambos amigos son hermanos en la vida real.
Series: ¿Qué tiene Lost para engancharnos?
Que cuatro años después que empezaramos la aventura de Jack, Locke y compañía, después de haber imaginado este momento tantas veces, sean capaces de emocionarnos y a la vez desear que vuelvan a la isla. Sí, ya soy poseedor de la costosa cuarta temporada en DVD, y es lo primero que quise ver.
viernes 5 de diciembre de 2008
La recomendación de la semana: El Exorcismo de Emily Rose
No sólo de cine clásico y de autor vive el hombre, y he de reconocer que es uno de los últimos films de terror que ha conseguido sorprenderme. De la mano de Scott Derrickson (cuya Ultimátum a la Tierra llega la semana que viene a nuestros cines) y de una Jennifer Carpenter que cumple a la perfección como atormentada, en un film con varias escenas brillantes y que sabe mezclar una historia de terror con un drama judicial. Completan el reparto los siempre excelentes Tom Wilkinson y Laura Linney.
jueves 4 de diciembre de 2008
Listas: Los 100 mejores personajes de la historia
Pues vamos con una de listas. Teniendo en cuenta el excelente 2008, los grandes títulos que nos han llegado y los que están por venir, normal que la lista elaborada por los lectores de Empire, con los mejores personajes de la historia del cine, tenga esta pinta:
1. Tyler Durden (El club de la lucha)
2. Darth Vader (La Guerra de las Galaxias)
3. El Joker (El Caballero Oscuro)
4. Han Solo (La Guerra de las Galaxias)
5. Hannibal Lecter (El silencio de los corderos)
6. Indiana Jones
7. El Nota (El Gran Lebowski)
8. Jack Sparrow (Piratas del Caribe)
9. Ellen Ripley (Alien)
10. Vito Corleone (El Padrino)
11. James Bond
12. John McClane (La jungla de cristal)
13. Gollum (El Señor de los Anillos)
14. Terminator
15. Ferris Bueller (Todo en un día)
16. Neo (Matrix)
17. Hans Gruber (La jungla de cristal)
18. Travis Bickle (Taxi Driver)
19. Jules Winnfield (Pulp Fiction)
20. Forrest Gump (Forrest Gump)
21. Michael Corleone (El Padrino)
22. Ellis “Red” Redding (Cadena Perpetua)
23. Harry Callahan (Harry, el sucio)
24. Ash (Posesión infernal)
25. Yoda (La Guerra de las Galaxias)
26. Ron Burgundy (El reportero: La leyenda de Ron Burgundy)
27. Tony Montana (Scarface)
28. Gandalf (El Señor de los Anillos)
29. Daniel Plainview (Pozos de ambición)
30. Jigsaw (Saw)
31. Aragorn (El Señor de los Anillos)
32. Jason Bourne (Trilogía Bourne)
33. Tequila (Hard Boiled)
34. Rocky Balboa
35. Máximo Décimo Meridio (Gladiator)
36. Harry Potter
37. Eduardo Manostijeras
38. Donnie Darko
39. Marty McFly (Regreso al futuro)
40. Patrick Bateman (American Psycho)
41. Mary Poppins
42. Alex Delarge (La Naranja Mecánica)
43. El hombre sin nombre/Rubio (El bueno, el feo y el malo)
44. Peter Venkman (Los cazafantasmas)
45. Amelie Poulain (Amelie)
46. Anton Chigurh (No es país para viejos)
47. Blade (Trilogía Blade)
48. Tony Stark (Ironman)
49. Walter Sobchak (El gran Lebowski)
50. Quint (Tiburón)
51. Mal Reynolds (Serenity)
52. George Bailey (¡Qué bello es vivir!)
53. Luke (La leyenda del indomable)
54. Luke Skywalker (La Guerra de las Galaxias)
55. Frank Drevin (Atrápalo como puedas)
56. Juno Macguff (Juno)
57. Brick Tamland (El reportero: La leyenda de Ron Burgundy)
58. Rick Blaine (Casablanca)
59. Tommy Devitto (Uno de los nuestros)
60. Ace Ventura
61. R.P. McMurphy (Alguien voló sobre el nido del cuco)
62. Mathilda (León, el profesional)
63. Wall·E (Wall·E)
64. Withnail (Withnail y yo)
65. White Goodman (Cuestión de pelotas)
66. La Novia (Kill Bill)
67. Frank Booth (Terciopelo Azul)
68. Napoleon Dynamite
69. Keyser Soze (Sospechosos Habituales)
70. Atticus Finch (Matar a un ruiseñor)
71. Snake Plissken (1997: Rescate en Nueva York)
72. V (V de Vendetta)
73. Jack Torrance (El Resplandor)
74. E.T.
75. Marge Gunderson (Fargo)
76. Emmett Brown (Regreso al Futuro)
77. Ed (Zombies Party)
78. Axel Foley (Superdetective en Hollywood)
79. Boba Fett (La Guerra de las Galaxias)
80. Norman Bates (Psicosis)
81. Lobezno (X-Men)
82. Marv (Sin City)
83. Señor Amarillo (Reservoir dogs)
84. Agente Smith (Matrix)
85. Vincenzo Coccotti (Amor a quemaropa)
86. Roy Batti (Blade Runner)
87. Drácula (de Cristopher Lee)
88. Jessica Rabbit (¿Quién engañó a Roger Rabbit?)
89. Princesa Leia Organa (La Guerra de las Galaxias)
90. La bruja malvada del oeste (El mago de Oz)
91. Scarlett O´Hara (Lo que el viento se llevó)
92. Randal Graves (Clerks)
93. Martin Q. Blank (Un asesino algo especial)
94. Buzz Lightyear (Toy Story)
95. Freddy Krueger (Pesadilla en Elm Street)
96. Ethan Edwards (Centauros del desierto)
97. Clarice Starling (El silencio de los corderos)
98. Charles Foster Kane (Ciudadano Kane)
99. Hal-9000 (2001: Una odisea del espacio)
100. Martin Riggs (Arma Letal)
No voy a entrar a valorar la lista al detalle, aunque se nota que los lectores de la revista Empire son bastante jovencitos. El día que me haga Boyero, rehago la lista a mi gusto.
¡1 saludo!
Fuente: Empire
1. Tyler Durden (El club de la lucha)2. Darth Vader (La Guerra de las Galaxias)
3. El Joker (El Caballero Oscuro)
4. Han Solo (La Guerra de las Galaxias)
5. Hannibal Lecter (El silencio de los corderos)
6. Indiana Jones
7. El Nota (El Gran Lebowski)
8. Jack Sparrow (Piratas del Caribe)
9. Ellen Ripley (Alien)
10. Vito Corleone (El Padrino)
11. James Bond
12. John McClane (La jungla de cristal)
13. Gollum (El Señor de los Anillos)
14. Terminator
15. Ferris Bueller (Todo en un día)
16. Neo (Matrix)
17. Hans Gruber (La jungla de cristal)
18. Travis Bickle (Taxi Driver)
19. Jules Winnfield (Pulp Fiction)
20. Forrest Gump (Forrest Gump)
21. Michael Corleone (El Padrino)
22. Ellis “Red” Redding (Cadena Perpetua)
23. Harry Callahan (Harry, el sucio)
24. Ash (Posesión infernal)
25. Yoda (La Guerra de las Galaxias)
26. Ron Burgundy (El reportero: La leyenda de Ron Burgundy)27. Tony Montana (Scarface)
28. Gandalf (El Señor de los Anillos)
29. Daniel Plainview (Pozos de ambición)
30. Jigsaw (Saw)
31. Aragorn (El Señor de los Anillos)
32. Jason Bourne (Trilogía Bourne)
33. Tequila (Hard Boiled)
34. Rocky Balboa
35. Máximo Décimo Meridio (Gladiator)
36. Harry Potter
37. Eduardo Manostijeras
38. Donnie Darko
39. Marty McFly (Regreso al futuro)
40. Patrick Bateman (American Psycho)
41. Mary Poppins
42. Alex Delarge (La Naranja Mecánica)
43. El hombre sin nombre/Rubio (El bueno, el feo y el malo)
44. Peter Venkman (Los cazafantasmas)
45. Amelie Poulain (Amelie)
46. Anton Chigurh (No es país para viejos)
47. Blade (Trilogía Blade)
48. Tony Stark (Ironman)
49. Walter Sobchak (El gran Lebowski)
50. Quint (Tiburón)
51. Mal Reynolds (Serenity)52. George Bailey (¡Qué bello es vivir!)
53. Luke (La leyenda del indomable)
54. Luke Skywalker (La Guerra de las Galaxias)
55. Frank Drevin (Atrápalo como puedas)
56. Juno Macguff (Juno)
57. Brick Tamland (El reportero: La leyenda de Ron Burgundy)
58. Rick Blaine (Casablanca)
59. Tommy Devitto (Uno de los nuestros)
60. Ace Ventura
61. R.P. McMurphy (Alguien voló sobre el nido del cuco)
62. Mathilda (León, el profesional)
63. Wall·E (Wall·E)
64. Withnail (Withnail y yo)
65. White Goodman (Cuestión de pelotas)
66. La Novia (Kill Bill)
67. Frank Booth (Terciopelo Azul)
68. Napoleon Dynamite
69. Keyser Soze (Sospechosos Habituales)
70. Atticus Finch (Matar a un ruiseñor)
71. Snake Plissken (1997: Rescate en Nueva York)
72. V (V de Vendetta)
73. Jack Torrance (El Resplandor)
74. E.T.
75. Marge Gunderson (Fargo)
76. Emmett Brown (Regreso al Futuro)77. Ed (Zombies Party)
78. Axel Foley (Superdetective en Hollywood)
79. Boba Fett (La Guerra de las Galaxias)
80. Norman Bates (Psicosis)
81. Lobezno (X-Men)
82. Marv (Sin City)
83. Señor Amarillo (Reservoir dogs)
84. Agente Smith (Matrix)
85. Vincenzo Coccotti (Amor a quemaropa)
86. Roy Batti (Blade Runner)
87. Drácula (de Cristopher Lee)
88. Jessica Rabbit (¿Quién engañó a Roger Rabbit?)
89. Princesa Leia Organa (La Guerra de las Galaxias)
90. La bruja malvada del oeste (El mago de Oz)
91. Scarlett O´Hara (Lo que el viento se llevó)
92. Randal Graves (Clerks)
93. Martin Q. Blank (Un asesino algo especial)
94. Buzz Lightyear (Toy Story)
95. Freddy Krueger (Pesadilla en Elm Street)
96. Ethan Edwards (Centauros del desierto)
97. Clarice Starling (El silencio de los corderos)
98. Charles Foster Kane (Ciudadano Kane)
99. Hal-9000 (2001: Una odisea del espacio)
100. Martin Riggs (Arma Letal)
No voy a entrar a valorar la lista al detalle, aunque se nota que los lectores de la revista Empire son bastante jovencitos. El día que me haga Boyero, rehago la lista a mi gusto.
¡1 saludo!
Fuente: Empire
miércoles 3 de diciembre de 2008
Opinión: Favoritismos y personalidad
Inauguro la sección de artículos de opinión con un debate en el que me he visto envuelto dos veces en un breve espacio de tiempo. La premisa es sencilla y directa: "No entiendo como la gente puede decir que su film favorito es El club de los poetas muertos o su grupo preferido U2". Inmediatamente saltaron defensores del grupo irlandés, dando por sentado que había dudado de la calidad de su música. Igualmente vamos a centrarnos en el cine, que es lo que interesa.
Partamos de la base que nuestro film favorito no es el que consideramos mejor, sino el que más nos gusta, que no siempre es lo mismo. Los favoritismos carecen de objetividad y basan su valor en la conexión que existe entre nosotros y la obra en cuestión. No siempre hablamos de lo identificados que podamos sentirnos con los personajes, pero sí de aquellos films que logran calarnos hondo.
Pongamos que hablamos de films de enorme éxito, como Titanic, Braveheart o el film de Weir antes nombrado. El mensaje de dichos films es tan general que atrae a público de toda clase, hecho que indica tanto su universalidad como su poca concreción. Films con un gran éxito pero con un mensaje menos global también incluyen a todas clase de personalidades a las que el film ha sido de su agrado.
Ahora bien, cuando hablamos de favoritismos, de elegir un único elemento con el nos quedaríamos de una disciplina concreta, presuponemos una elección más característica y personal. De ahí la premisa de este post. Ojo, con ello no quiero decir que el éxito de una obra evite que sea personal, pero me sorprende ver que tanta gente habla de Braveheart o La vida es bella como sus films favoritos, cuando es muy difícil ver en éstos un mínimo rasgo que les una al espectador.
Por supuesto hay muchos otros casos donde la elección tiene más que ver con las circunstancias del visionado que no con el valor de dicho film, como ver E.T. siendo un infante, o tener como films favorito el último visto con algún ser querido, etc. Y muchos otros en que la elección se base en cuestiones sociales o el universo que rodea el film, como sucede con Star Wars o Star Trek.
Así pues, reformulo la pregunta: ¿Cómo es posible que ciertos films sean los favoritos para tanta gente? Tenemos casos como los de antes, pero hay muchos más, como Cadena Perpetua (siempre en el podio de votaciones en IMDb), El club de la lucha, La lista de Schindler, En busca del arca perdida o Se7en. No es muy posible sentir una gran identificación con sus personajes, más allá de la conexión emocional que nos produzcan.
En ese momento entra en juego el factor social y los estándares. No olvidemos que el ser humano es un animal social, y experimentos llevados a cabo muestran como nuestra voluntad suele estar sujeto a lo que la masa dicta. Un ejemplo sería un conjunto de 100 personas a los que se le preguntara sobre la capital de España. Si 96 respondieran "Barcelona", probablemente dos de ellos dudarían de su respuesta, otro diera la correcta y el último seguiría a la masa respondiendo erróneamente.
Esa alienación que nos convierte en masa antes que individuo responde a un sentimiento de grupo del que el ser humano no puede escapar, y ante la duda seguimos los patrones comunes que podamos encontrar a diario. De ahí el problema de personalidad que he exagerado en la premisa inicial, y que responde sólo a cierta alienación (en ciertos casos) con respecto a hacer públicas nuestras preferencias.
Claro está también que no todos son grandes aficionados al cine, y el simple impacto de un film visto una sola vez puede valer para convertirlo en favorito para muchos. Otros casos dan respuestas como "es el film con el que más he llorado/reído", hecho que denota una valoración cuantitativa y sobre sólo un criterio.
Puede parecer un asunto baladí, pero estamos asistiendo a una estandarización en cuanto a cine se refiere. Infinidad de films se retocan para entrar en la calificación por edades, y genios como Allen o Coppola tienen problemas para hacer rentables sus films. Lo minoritario cada vez lo es más, y encontrar en taquilla productos arriesgados es poco menos que una utopía.
Vuestro turno de opinión, morgueros. Sed respetuosos y argumentativos.
¡1 saludo!
Partamos de la base que nuestro film favorito no es el que consideramos mejor, sino el que más nos gusta, que no siempre es lo mismo. Los favoritismos carecen de objetividad y basan su valor en la conexión que existe entre nosotros y la obra en cuestión. No siempre hablamos de lo identificados que podamos sentirnos con los personajes, pero sí de aquellos films que logran calarnos hondo.
Pongamos que hablamos de films de enorme éxito, como Titanic, Braveheart o el film de Weir antes nombrado. El mensaje de dichos films es tan general que atrae a público de toda clase, hecho que indica tanto su universalidad como su poca concreción. Films con un gran éxito pero con un mensaje menos global también incluyen a todas clase de personalidades a las que el film ha sido de su agrado.
Ahora bien, cuando hablamos de favoritismos, de elegir un único elemento con el nos quedaríamos de una disciplina concreta, presuponemos una elección más característica y personal. De ahí la premisa de este post. Ojo, con ello no quiero decir que el éxito de una obra evite que sea personal, pero me sorprende ver que tanta gente habla de Braveheart o La vida es bella como sus films favoritos, cuando es muy difícil ver en éstos un mínimo rasgo que les una al espectador.Por supuesto hay muchos otros casos donde la elección tiene más que ver con las circunstancias del visionado que no con el valor de dicho film, como ver E.T. siendo un infante, o tener como films favorito el último visto con algún ser querido, etc. Y muchos otros en que la elección se base en cuestiones sociales o el universo que rodea el film, como sucede con Star Wars o Star Trek.
Así pues, reformulo la pregunta: ¿Cómo es posible que ciertos films sean los favoritos para tanta gente? Tenemos casos como los de antes, pero hay muchos más, como Cadena Perpetua (siempre en el podio de votaciones en IMDb), El club de la lucha, La lista de Schindler, En busca del arca perdida o Se7en. No es muy posible sentir una gran identificación con sus personajes, más allá de la conexión emocional que nos produzcan.
En ese momento entra en juego el factor social y los estándares. No olvidemos que el ser humano es un animal social, y experimentos llevados a cabo muestran como nuestra voluntad suele estar sujeto a lo que la masa dicta. Un ejemplo sería un conjunto de 100 personas a los que se le preguntara sobre la capital de España. Si 96 respondieran "Barcelona", probablemente dos de ellos dudarían de su respuesta, otro diera la correcta y el último seguiría a la masa respondiendo erróneamente.Esa alienación que nos convierte en masa antes que individuo responde a un sentimiento de grupo del que el ser humano no puede escapar, y ante la duda seguimos los patrones comunes que podamos encontrar a diario. De ahí el problema de personalidad que he exagerado en la premisa inicial, y que responde sólo a cierta alienación (en ciertos casos) con respecto a hacer públicas nuestras preferencias.
Claro está también que no todos son grandes aficionados al cine, y el simple impacto de un film visto una sola vez puede valer para convertirlo en favorito para muchos. Otros casos dan respuestas como "es el film con el que más he llorado/reído", hecho que denota una valoración cuantitativa y sobre sólo un criterio.
Puede parecer un asunto baladí, pero estamos asistiendo a una estandarización en cuanto a cine se refiere. Infinidad de films se retocan para entrar en la calificación por edades, y genios como Allen o Coppola tienen problemas para hacer rentables sus films. Lo minoritario cada vez lo es más, y encontrar en taquilla productos arriesgados es poco menos que una utopía.Vuestro turno de opinión, morgueros. Sed respetuosos y argumentativos.
¡1 saludo!
martes 2 de diciembre de 2008
Resultado de la encuesta Tropic Thunder
Bueno, después de ver comentarios tan entusiastas sobre el último film de Ben Stiller, esperaba ciertamente una mejor valoración en la encuesta. No ha sido así, y el número de votantes ha sido bastante más bajo que en otras ocasiones. Éstos han sido los resultados:
Obra Maestra: 1 voto
Excelente: 1 voto
Notable: 3 votos
Buena: 3 votos
Regular: 4 votos
Mala: 4 votos
No podemos decir que Tropic Thunder haya obtenido un gran resultado, ya que por poco supera a Vicky Cristina Barcelona y se queda cerca de Buena con un 2,75. ¡Muchas gracias a todos los votantes!
Obra Maestra: 1 voto
Excelente: 1 voto
Notable: 3 votos
Buena: 3 votos
Regular: 4 votos
Mala: 4 votos
No podemos decir que Tropic Thunder haya obtenido un gran resultado, ya que por poco supera a Vicky Cristina Barcelona y se queda cerca de Buena con un 2,75. ¡Muchas gracias a todos los votantes!
lunes 1 de diciembre de 2008
La imagen de la semana
Si hace unos meses asistimos al retiro de Paul Newman para morir en paz en su casa, ahora parece que Patrick Swayze es el que nos da tan tremenda notícia. El actor, de 56 años, ha anunciado que su cáncer de pancreas se le ha extendido al hígado, con lo que afirma que le queda poco de vida. No sabemos si seguirá con su trabajo en la serie La Bestia, o se retirará con su família, pero todo apunta a que en poco tiempo recibamos la tan terrible notícia de su muerte.
Recordar que Swazye protagonizó films como Dirty Dancing, Ghost o Rebeldes, así como la serie Norte y Sur.Fuente: El País.
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